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Tokyo After Dark

With an affinity for neon-lit alleyways and rain-slicked streets, Japanese photographer Masashi Wakui roams the nocturnal cityscape of Tokyo, capturing the Japanese capital in all of its luminous splendor. Wakui’s unique post-processing style instills his photos with a cinematic moodiness that has become his signature aesthetic. His colorful images blur the boundary between reality and fiction, often more closely resembling scenes out of Akira or Ghost in the Shell than real life. Check out more photos from the talented photographer below.


日本摄影师Masashi Wakui专注于捕捉东京迷幻的城市夜景,尤其是布满霓虹灯的小巷和反着光的潮湿街道。在Wakui的镜头下,东京仿佛是一座永远发着光的不夜城,这些场景看起来游离于现实和虚幻之间,给人一种电影般的氛围感。独特的色彩处理和光线的运用为Wakui的照片带来一种强烈的个人风格,有时甚至有点像日本动画片《亚基拉》和《攻壳机动队》中的场景。下面和我们一起看看这位摄影师更多的作品吧。

Flickr: ~/megane_wakui
Tumblr: masa-photo.tumblr.com
Instagram: @masashi_wakui

 

Contributor: David Yen


Flickr: ~/megane_wakui
Tumblr: masa-photo.tumblr.com
Instagram: @masashi_wakui

 

供稿人: David Yen

Forest of Numbers

 

无法观看?前往优酷

Forest of Numbers is the brainchild of Tokyo-based architect and artist, Emannuelle Moureaux. Her largest installation to date was created to celebrate the 10th anniversary of Tokyo’s National Art Center (NACT), spanning 2000 square meters and utilising “100 colours”. This is the first time that the National Art Center has used the White Cube exhibition room without any partition walls.


《数字森林》是东京建筑师和艺术家Emannuelle Moureaux迄今为止最大型的艺术装置作品,是她为庆祝东京国家艺术中心(NACT)成立十周年而专门创作的。这个大型艺术装置占地2000平方米,一共使用了100种颜色。这是东京国家艺术中心的White Cube展厅首次在举办展览时没有设立任何隔墙。

The installation itself symbolises the next 10 years for NACT – the decade spanning between 2017 to 2026. More than 60,000 number figures ranging from zero to nine were aligned within a 3-D grid and suspended from above. A pathway was been purposefully created, cutting through the installation and allowing visitors to take a walk through the cascade of numerals.


装置本身象征着NACT的未来10年,即2017年到2026年之间的10年。超过60000件从0到9的数字构件悬浮在三维网格中。装置中间特意设置了一条供穿越的路径,以供参观者在这巨大的《数字森林》之中漫步。

As part of Moureaux’s 100 colors installation series, Forest of Numbers utilises 100 shades of colours across 10 layers of numbers. The walls that encapsulate the installation space feature a compilation of exhibition posters to commemorate the last 10 years, which are contrasted with white number cut outs on the opposite wall to symbolise the next 10 years to come.


作为Moureaux的“100色”系列艺术装置的一部分,《数字森林》在构建10层数字的时候共使用了100层颜色。装置所在的展览室的一面墙上展示着过去十年NACT的展览的海报,对面的墙上则展示着预示未来十年的白色数字。

Forest of Numbers was a true labour of love, created as a colourful celebration of the National Art Center’s anniversary and brought to life with the help of 300 volunteers. Moureaux’s playful installation creates joy from paper and thread, attracting over 20,000 visitors within the first ten days of its NATC debut.


色彩缤纷的《数字森林》是一个充满爱的作品——它是为庆祝东京国家艺术中心成立10 周年而诞生的,凝聚了300名参与制作的志愿者的努力。Moureaux用纸和线所创作的这个充满玩趣和快乐的艺术装置,在NATC首次亮相的前10天里就吸引了超过2万名观众。

Website: emmanuellemoureaux.com

 

Contributor: Whitney Ng
Video and Images Courtesy of Emmaneulle Moureaux


网站emmanuellemoureaux.com

 

供稿人: Whitney Ng
视频与图片由Emmanuelle Moureaux提供

Ghost Town Ni Naru

French-Canadian photographer Jasmin Gendron began learning his way around photography from the dark rooms of his local high school. As of 2010, he began to shoot predominantly in digital, whilst occasionally shooting 35mm film for personal projects.


法裔加拿大摄影师Jasmin Gendron开始接触摄影是在家乡高中学校的暗房里。在 2010 年之后,他多数用数码相机拍摄,不过有时在创作个人作品的时候也会用到35毫米胶片相机。

“I try to use street photography to immortalize energy and emotions from magnificent, human and sometimes comical scenes, with a poetic, subtle and unobtrusive approach.” Jasmin describes himself as an autodidact, with the inspiration behind his photography style stemming from Japanese culture. He spent a full year immersing himself into Japan and actively absorbing his new surroundings. “I like how the environment impacts human actions and decision in peoples’ everyday lives.”


“我希望能通过街头摄影,以一种诗意、微妙而不显眼的方式定格壮观、人性甚至是滑稽的场面。”Jasmin形容自己是一名自学者,他的摄影风格受日本文化影响。他在日本生活了整整一年,深入探索和了解这个全新的环境。”周围的环境会如何影响到一个人在生活中的行为和决定,我对这个话题还蛮感兴趣的。“

Jasmin’s photo series Ghost Town Ni Naru was captured over a two-year period in his wife’s hometown of Nikko in Japan’s Tochigi prefecture. Jasmin had been subconsciously observing the city for the past decade, and describes it as his perception of a “grotesque scene,” in the sense that Nikko was slowly becoming a ghost town. This project is an active reminder that no place is unchanging and the sense of loss is acutely expressed throughout each image.


Jasmin的摄影作品系列《Ghost Town Ni Naru》是他在妻子的故乡——栃木县日光市生活的两年期间所捕捉的影像。Jasmin一直下意识地在观察这个城市在过去的十年的发展,研究日光市是如何渐渐变成今日的一座鬼城,而他称这种变化为一种“奇景”。视觉上,这系列作品提醒着人们,没有一个地方是永恒不变的。他的照片中总透露着一种失落的情绪。

Whilst Nikko may be well known for its beautiful traditional shrines and temples, this project seeks to present an aspect of Japanese culture that does not conform to the stereotypical idea of Japan. “This is a sad series. I tried to capture how it must feel for my wife, for her family members and friends, when they take a deeper look at the places where most of their memories come from.”


虽然日光市可能一向以其美丽的古老神社和寺庙而闻名,但这系列作品想展现的是日本文化不为人知的一面,是有别于人们对日本的传统印象的。“这是一个略带感伤的作品,我试着记录我的妻子和她的家人朋友们,在面对这个充满回忆的地方时,心中涌现的感情。”

Websitejasmingendron.com
Instagram@jasgendron

 

Contributor: Whitney Ng


网站jasmingendron.com
Instagram: @jasgendron

 

供稿人: Whitney Ng

Finding Inspiration in Uncertainty

Yuma Yoshimura is a Japanese artist, painter, and muralist who creates psychedelic, monochromatic works that reflect the uncertainty and chaos of human existence. In 2004, he completed his education at Tama Art University where he studied painting and printmaking. Currently based in Tokyo, his work has been well-received internationally, having been exhibited in South Africa, Spain, Russia, and more.


Yuma Yoshimura是一名日本的艺术家、画家和壁画家,其创作的单色作品充满迷幻的风格,表达出人类生存的混乱与不确定性。他曾在多摩美术大学学习绘画和版画创作,2004年毕业之后,他生活在日本东京。他的作品曾在南非、西班牙、俄罗斯等国家发表。

The primary themes of Yuma Yoshimura’s work lie in the uncertainty and chaos that people experience in daily life, or in concepts of duality and opposition such as “darkness and light.” For him, these are universal conditions that all people face as they grow from childhood to adulthood. To believe in the unchanging in the face of the ever-changing, and to express this dynamic visually is a reflection of the artist’s own resistance to unrelenting change.


Yuma Yoshimura的作品主题主要围绕人们在日常生活中经历的不确定性和混乱,或是二元性和对立概念,如“黑暗与光明”。对他来说,这是所有人从孩童到成年人的成长过程中都必定面临的普遍状况。在千变万化中相信永恒不变,以视觉作品来表现变化的动态,反映出这名艺术家自己对于无情变化的抵抗。

For Yuma Yoshimura’s creations, he primarily works with acrylic paint, spray paint, markers, aluminum and wooden panels. For mural-sized works, he’ll only use monochromatic acrylic paint and spray paint – his decision is largely based on the physical characteristics of the wall, which include its size and the surrounding environment.


Yuma Yoshimura的创作过程主要利用丙烯涂料、喷漆颜料、马克笔、铝和木板。至于壁画尺寸的大作品,他会根据墙体的物理特性、大小和所产生的空间效果,直接在墙壁上使用单色丙烯涂料和喷漆颜料进行创作。

Despite using a simple, monochromatic palette, Yuma Yoshimura is able to conceive a multitude of visual elements through complicated compositions that mirror his inner state. The visual elements seen in traditional tribal tattoos and ornaments also fuel the sparks of his imagination. This influence from these primitive arts reflect Yoshimura’s attempt to express his own unique, but universal, human experience.


虽然创作中只使用了一种色彩,但Yuma Yoshimura依然能够通过复杂的构图来表现出丰富多样的视觉元素,传达出他的内心状态。部落纹身和装饰品这些视觉元素激发了他的创作灵感。来自原始部落的艺术影响反映出Yoshimura尝试表达的一种独特又普遍的人性经历。

Website: yumanizumu.jp
Facebook: ~/yumanizumu
Instagram@yuma_yoshimura

 

Contributor: George Zhi Zhao
Images Courtesy of Yuma Yoshimura


网站: yumanizumu.jp
脸书: ~/yumanizumu
Instagram@yuma_yoshimura

 

Contributor: George Zhi Zhao
图片由Yuma Yoshimura提供

Japan, Pixelated

Since 2011, Japanese illustrator Toyoi Yuuta has been posting animated GIFs on his Tumblr under the moniker 1041uuu. Finding beauty in simplicity, he’s translated his vision of life in Japan into gorgeously animated pixel art. The highly approachable style of his pixel art has allowed his work to be widely praised and shared by netizens from all over the world. At the same time, Generation Xers, millennials, and gaming enthusiasts are able to more deeply appreciate the nostalgic qualities of his retro aesthetics.


2011年以来、イラストレーターの豊井祐太氏(ユーザー名:1041uuu)は、自身のTumblrにGIFアニメーションを掲載してきました。シンプルながらも美的な作品には、日本のライフスタイルがきれいなピクセルアートのアニメーションとして映し出されています。とても親しみやすいピクセルアートスタイルの作品は世界中のネチズンから絶賛され、広く知れ渡っています。その一方でジェネレーションXやミレニアル世代、そしてゲームマニアらは、レトロな美しさの中に感じられる懐かしい感覚を高く評価しています。

Originally born in Fukushima, Toyoi is currently based out of Kyoto, preferring the quiet pace of life there compared to the sensory overload of Tokyo, where he had previously lived for six years. In those six years, Toyoi found solace and inspiration in different aspects of the Tokyo that many might not immediately associate with the city, such as its rivers. “I think I’ve been influenced by the unique rivers of all the cities I’ve lived in. In particular, Tokyo’s Sumida River had a profound impact on me,” he says. From a cityscape reflected on the rippling surface of a river to koi fish idly lazing beneath a lotus leaf-covered pond, water makes frequent appearances in Toyoi’s work and is often one of the most noticeable animated elements.


福島出身の当人は、6年間暮らした東京から離れ、現在はゆったりとしたペースで暮らせる京都を拠点に活動しています。この6年間の暮らしで、すぐには東京とは思えない川など、この大都市の様々な一面から憩いを感じ、インスパイアされました。「これまでに住んだ街では、それぞれの川が持つ特徴に影響されたと思います。特に隅田川には大きく影響されました」と言います。波打つ川の表面に映る都市の景観や、蓮の葉に覆われた池を泳ぐ鯉など、多くの作品では水が見られ、これは最も目立つアニメーション要素の一つとなっています。

Another big influence for Toyoi is the popular arcade-style fighting game, The King of Fighters. The different two-dimensional background scenes in the game clearly lends inspiration for his animated GIFs. These in-game backgrounds range from forests with falling rain and leaves fluttering in the wind to industrial settings with machinery bellowing out clouds of steam. Some other scenes might depict more mundane moments of city life, such as lovers interacting in the background and blinking traffic lights. These little moments stuck in an infinite loop fascinated Toyoi. “To an art geek like me, these elements sparked something within me and I became interested in these realistic backdrops,” he says. Similar to the aesthetics of The King of Fighters and other retro fighting games, animating select details in a mostly still frame has become the trademark of Toyoi’s work.


他にも当人が大きな影響を受けたものとして、人気の高いアーケード型格闘ゲームのザ・キング・オブ・ファイターズがあります。このゲーム特有の二次元背景が、GIFアニメーションのアイデアを生んだことは言うまでもありません。このゲームでは、雨のなか風に揺られて木の葉が舞い散る森から、蒸気雲が吐き出て工場が密集する工業地帯に至るまで、様々な背景が登場します。また、恋人たちが触れ合う様子や点滅する信号機など、都会のありふれた日常生活の一部が背景として登場します。このように、どこにでも見られるようなありふれた瞬間が魅力となったのです。「私のような芸術おたくにとってこのような要素が刺激となり、現実的な背景に興味をそそられるようになったのです」と言います。ザ・キング・オブ・ファイターズのようなレトロな格闘ゲームで得られる美的感覚と同様、静止画像の細かい部分をアニメーション化することが作品のトレードマークとなっています。

For many artists, figuring out how to make sustainable income while pursuing their creative vision can be problematic, and Toyoi isn’t an exception. He revealed that his initial decision to create pixel art was in part due to to the restrictive nature of the tools he had access to. “I was poor and unemployed. I didn’t have a pen tablet and only had a PC track pad. But to create pixel art, I don’t need a high-resolution computer or much special knowledge and training,” he recalled. Despite garnering high praise for his GIFs, the popularity of his work still hasn’t translated into any money-making opportunities. “I still don’t have any money at the moment, so I’m trying to sell some of my artwork now,” Toyoi candidly admitted. “I’m looking into selling silkscreen prints in the near future.”


他の多くのアーチスト同様、芸術を追求する一方で生活を維持するための収入を得ることは、今でも抱えている悩みです。作品を作り始めた頃にピクセルアートに取り組もうと決めた理由として、手に入るツールには限りがあったことを掲げます。「職にも就かず、お金もありませんでした。ペンタブレットもなく、持っていたものはコンピューターのトラックパッドだけです。ただ、ピクセルアートを制作するには高画質のコンピューターや、専門知識と研修もそれほど必要ありません」と過去を振り返ります。GIF作品が高く評価されたとしても、それが収入の機会に繋がったわけではありません。「今もお金はありません。だからこそ、作品を売ろうとしています。近い将来、シルクスクリーンプリントを売ろうと思っています」と心のうちを語ってくれました。

Introverted by nature, Toyoi tells us that people aren’t of much interest to him. Instead, his interests lie in the intangible, such as the feelings and smells of a place, holding the belief that these are the elements that truly make up the essence of a city. “The world is filled with rules that aren’t explicitly written out, and it feels like I’m not very good at reading them, because I don’t understand these unspoken codes. I find society to be a scary place,” he says. Toyoi’s work is a tranquil respite from the whirlwind of unpredictability, volatility, and anxiety that plague our modern lives. His gift lies in the way that he’s able to invoke a blissful sense of tranquility by simply presenting the nuanced beauties of life that many overlook, rendering these ordinary moments into gorgeous works of art.


当人はもともと内気な性格なため、特に人物に関わるテーマには関心がありません。むしろ景観やそこから感じ取れる形のないものこそが、都会の本質を作り上げる要素だと考えています。「この世は明確に記されていないルールで溢れています。暗黙のルールを理解できない私は、そういったルールを読み取るのが上手くありません。社会は恐ろしい場所だと思っています」と言います。作品には、現代社会の悩みとなっている予想のできない世界観、移り変わり、そして不安から一時的に解放される様子が伺えます。当人の才能は、誰もが見落としがちな日常生活の微妙な美しさを表現し、ありふれた瞬間を見事な作品に描写することで、喜びや安らぎを感じさせる手法にあります。

It generally takes Toyoi two days to complete a GIF. The preliminary planning stages are admittedly much more difficult, he says. It’s crucial for him to avoid repetition. “Sometimes choosing the idea can take up to two weeks. Even now, two months can go by without me drawing anything,” he says. “For example, if I have already drawn a picture of a businessman asleep in a in a bus, then I would not draw a picture of a student asleep on a train.  There is no essential difference in my mind between the sleeping businessman and the sleeping student, or a train and a bus.”


通常、GIF作品を作るには2日かかります。事前のプランニングがかなり大変で、同じような作品を作らないようにする点が極めて大切だと言います。「アイデアを決めるまで2週間かかることがあります。今でも、何も描かずに2ヶ月が過ぎることもあります。例えば、バスの中で居眠りしているサラリーマンの絵を描き始めていたとすると、電車の中で居眠りしている学生の絵を描くことはありません。眠っているビジネスマンと学生や、電車とバスに本質的な違いはないと考えています」

“For now, I’ll be content if my work allows people to better appreciate the world around them. Japan has many problems, such as the threat of earthquakes, nuclear power plant accidents, distrust of the government, overworked people suffering from work-related stresses, and so on.” As if to counterbalance these large scale, hard-to-solve problems that trouble his mind, Toyoi’s charming GIFs instead hone in on the simple beauties of everyday life in Japan. “Regardless of some of the country’s issues, I want people to visit Japan. I certainly recommend Kyoto.”


「差し当たり、作品を見た人が、その人の周囲の環境を改めて認識するきっかけになってくれれば嬉しいです。日本は、地震の脅威、原発事故、政府への不信感、仕事のストレスで過労に悩む人々など、多くの問題を抱えています」と言います。このような、大掛かりで問題解決が難しい状況の中で、何かの埋め合わせとなるかのような魅力を持つGIF作品は、日本の日常生活のシンプルな美しさに焦点が当てられています。「一部の国が抱える問題はともかく、誰にでも日本に足を運んでいただきたいと思っています。もちろん、京都がお勧めです」

Tumblr: 1041uuu.tumblr.com
Instagram: @1041uuu

 

Contributor: David Yen


Tumblr: 1041uuu.tumblr.com
Instagram: @1041uuu

 

寄稿人: David Yen

Tokyo Compression

Tokyo Compression 12 (2010)

German-born artist and photographer Michael Wolf started his career as a photojournalist in 1994. After spending nearly a decade working in Hong Kong for the German magazine Stern, a lack of interest in many of his assignments and a lack of time for his personal projects led him to pursue fine art photography full-time in 2003. In 2004, he won first prize in the World Press Photo competition’s Contemporary Issues category for his compelling photo series China: Factory of the World where he captured workers in different types of factories. The award would be the first of many as his body of work continued to evolve and grow.


ドイツ出身アーチスト兼写真家のMichael Wolf は、1994年にフォトジャーナリストとしてそのキャリアを歩み始めました。香港に在住中の10年近くをドイツ系雑誌・Sternのジャーナリストとして過ごす間は、大半の職務に興味を見出せないまま、自分のやりたいプロジェクトが行えない日々を過ごす時期が続きました。そのような状況の中、2003年にプロの美術写真家に転向し、翌2004年には世界報道写真展の現代社会部門にて、様々な工場で働く労働者達の姿を捉えた作品集のChina: Factory of the World で初の賞を獲得しました。この賞はその後の作品の進化と成長や、多くの受賞作を生むきっかけになったのです。

Tokyo Compression 54 (2010)
Tokyo Compression 57 (2010)
Tokyo Compression 35 (2010)
Tokyo Compression 31 (2010)

In the years since, he’s become a significant name in the contemporary art scene, developing an exceptional body of work around life in the cities of China, Hong Kong, Tokyo, Chicago and Paris. His photographs are a profound embodiment of urban life, from Bastard Chairs and 100×100 to Transparent City and Real Fake Art among other numerous projects. Most of Wolf’s images display a unique internal look into peoples’ lives within both the suburbs and bustling centers of megacities. Through his photography, Wolf’s intent is to capture and present his vision of the dynamics of city life as well as his perspective on the turbulent nature of the urban environments. Tokyo Compression is one of those stark manifestations.


それ以来、当人は現代のアートシーンで重要な役割を担う存在となり、中国の他、香港、東京、シカゴ、パリなどの都市生活を描く素晴らしい作品を制作してきました。数多くの作品の中でも特にBastard Chairs100×100Transparent CityReal Fake Art は、都市生活の鋭い洞察が具体的に表されています。本人が想像するイメージの大半では、大都市の目まぐるしく動く中心部や、近郊の人々の生活を捉えた独特な眼差しが映し出されています。カメラのレンズを通して都市生活の原動力となるビジョン、そして都市という渦巻く環境を彼なりの視点で捉えて描こうとしたのです。その視点は、Tokyo Compressionプロジェクトに最もよく表されています。

Tokyo Compression 125 (2010)
Tokyo Compression 126 (2010)

First presented in 2010 as a book, Tokyo Compression is a photo series that consists of candid portraits of Japanese people inside the jam-packed Tokyo subway trains, a stream of nameless faces pressed up against a window wet with condensation. Creating a sense of hardship, the images depict an urban hell, a mental compression of sadness and despair, madness and anxiety.


2010年にまず単行本として発表されたTokyo Compressionは、東京の地下鉄の満員電車内でお互いが押し合いながらも汗まみれとなり、窓に押し付けられて何とも言えない表情が映し出された、日本人のありのままの姿を集めた作品集です。人々の苦労を映し出すイメージは、都市の苦しみ、悲しみに溢れた精神的な圧迫感、そして絶望、狂気、不安な様子が表されています。

Tokyo Compression 18 (2010)
Tokyo Compression 75 (2010)

Wolf’s photography has shown the adaptability of human spirit against adversity in one of the most ultimate urban environments: the city’s underground. Capturing the everyday commuter life in Tokyo’s subway, Wolf has managed to present the physical and mental reduction of privacy and space in the daily routine, imbued with a feeling of dismal, overwhelming and total vulnerability to the city.


写真からは、大都市の地下という最も過酷な環境において、逆境に耐えて順応しようとする人々の精神が伺えます。普段の東京の地下鉄の様子から私生活が奪われ、行き場が減ることで心身共に衰えゆく人々の様子と、大都市に対する優越感や圧倒感、そして心の弱さが表現されています。

Tokyo Compression 55 (2010)
Tokyo Compression 77 (2010)
Tokyo Compression 80 (2010)
Tokyo Compression 52 (2010)

In 2009, Wolf’s Tokyo Compression series won first prize in the World Press Photo Award’s Daily Life category. Now interchangeably living and working in Hong Kong and Paris, Michael Wolf continues to pursue his personal projects where he explores and reveals an inward world of big cities through his lens.


このTokyo Compressionシリーズは、2009年世界報道写真展の日常生活部門で最優秀賞を獲得しました。現在当人は、香港とパリを仕事と生活の拠点として活動し、レンズを通して大都市の奥深くを追いかけて表現する、独自のプロジェクトを手掛け続けています。

Tokyo Compression 17 (2010)
Tokyo Compression 66 (2010)
Tokyo Compression 123 (2010)

Micheal Wolf’s solo exhibition Hong Kong – Informal Solutions is now on display at the M97 Gallery in Shanghai. The new exhibit features photographs, video loops, and artifacts collected from the back alleys of Hong Kong.


上海のM97画廊では個展のHong Kong – Informal Solutionsが開催されています。新作が披露されているこの展覧会では、写真、動画ループ、香港の裏通りで見つかった工芸品が展示されています。

Websitephotomichaelwolf.com
Facebook: ~/michael-wolf

 

Contributor: Anastasia Masalova
Images Courtesy of Michael Wolf & M97 Shanghai


ウェブサイトphotomichaelwolf.com
Facebook: ~/michael-wolf

 

寄稿人: Anastasia Masalova
Images Courtesy of Michael Wolf & M97 Shanghai

Art Island Naoshima

Setouchi Triennale takes place in spring, summer and autumn once every three years and lasts for 108 days. It is held on the 12 islands of the Seto Inland Sea, including Teshima, Megijima, Naoshima, and so on. With the largest number of installations and public works on display in Naoshima, this remote island is one of the most popular destinations during the Triennale.


瀬戸内国際芸術祭は、トリエンナーレ形式で3年毎に春から秋にかけて108日間開催されます。豊島、女木島、直島など瀬戸内海に浮かぶ12の島を舞台にアート作品が展示されます。インスタレーションやパブリックアート作品が最も多く展示される離島、直島は、芸術祭開催中最も人気が高い目的地の一つです。

Designed by the world-famous architect Tadao Ando, the Chichu Art Museum lives up to its name (chichu means “underground” in Japanese); a very large part of the museum’s compound is indeed concealed underground. Surprisingly, it manages still to use natural daylight as its main source of light. Through Ando’s masterful design, he has engaged in a conversation between architecture and nature. The museum is also exhibiting Time/Timeless/No Time from the iconic American minimalist artist Walter de Maria, Claude Monet’s large-scale oil painting Water Lily, as well as the American contemporary artist James Terrell’s Open Sky – an installation work using light as the medium. It is very rare to witness the work of impressionist, modern and contemporary art in one single museum. This alone would be reason enough to pay a visit.


世界的な建築家、安藤忠雄氏の設計による地中美術館は、その名の通り、館内の大部分が地下に隠れています。それでも意外なことに、ここでは自然光が主な光源として採り入れられています。その卓越した設計で、安藤氏は建築と自然の対話を実現しました。この美術館では、アメリカのアイコン的ミニマルアート作家、ウォルター・デ・マリアの作品「タイム/タイムレス/ノー・タイム」、クロード・モネの大規模な油絵「睡蓮」、さらに、アメリカの現代アート作家、ジェームズ・タレルによる光を媒体としたインスタレーション作品「オープン・スカイ」を展示しています。印象派、近代・現代アートの作品を一か所で目の当たりにできるのは非常に稀なことです。この点だけでも、一見の価値がある美術館といえるでしょう。

Another must-see museum is the Lee Ufan Museum. Widely considered as the most well-established Korean contemporary artist, Lee Ufan was also one of the leading artists of the Japanese minimalism movement, which has had a significant influence in the world of contemporary art. The museum opened in 2010, and is now considered an architectural masterpiece and one of Tadao Ando’s most iconic creations. In this semi-underground building, the main visual design elements are the dots, lines, and surfaces; these elements, which are central in the works of both Tadao Ando and Lee Ufan, perfectly compliment each other in the space. Some of Lee Ufan’s large-scale installations and his early paintings are also on display in the museum.


もう一つ是非訪れたい美術館は李禹煥美術館です。最も評価の高い韓国人アーティストとして広く認められた李禹煥氏は、現代アートの世界に大きな影響を与えた日本のミニマリズム運動において優れたアーティストの一人でもありました。2010年に開館したこの美術館は、安藤忠雄氏の最も象徴的な作品の一つと考えられ、まさに建築の傑作です。この半地下の建物の内部で焦点を当てられたビジュアルデザインの要素は、点と線、そして面です。安藤氏と李氏、双方の作品の中枢をなすこれら3つの要素が、見事にこの空間で互いに調和しているようです。館内には、李禹煥氏の大型インスタレーション作品と初期の絵画作品のいくつかも展示されています。

After seeing the museum, visitors can also take a walk to the peaceful harbour of Naoshima where one can get an award-winning ice cream for only 550 yen and enjoy a beautiful sunset. Even though walking is a fairly feasible option for getting around, there are also busses running to most parts of the island. One bus is even decorated in Yayoi Kusama’s signature pumpkin patterns.


李禹煥美術館を訪れた後は、直島の静かな港まで散歩し、賞の受賞経験もある550円のアイスクリームを買って美しい夕陽を楽しむのも良いでしょう。周辺は徒歩でも移動可能ですが、島のほとんどの場所にはバスも運行しています。草間彌生氏独特のかぼちゃ模様で装飾を施されたバスも1台走っているほどです。

Also located on the island is the Art House Project, where artists have turned empty houses on the island into works of art. Visitors can easily access all of the revamped buildings by foot after getting off at one of many convenient bus stops. For the purpose of protecting the artworks, photography is forbidden in most of the houses. A local volunteer told me all the works showcased for the Art House Project will be kept permanently. Most of the residential housing on the island are built with wood, standing one next to the other in close proximity. All the windows and doors are smaller than normal, bringing a different yet interesting experience for city dwellers who visit. Even the houses themselves come in rather small sizes. The gardens and plants around the houses are beautifully and neatly arranged in a traditional Japanese style. Wandering around, you might also spot interesting details that reveal the tasteful eye of the house owners, such as a cute Tanuki sculpture or artwork made of recycling cans.


また、直島では、アーティストらが島に点在する古い空き家をアート作品に変えるプロジェクトも見られます。数多くの便利なバス停の一つで下車すると、改装された古民家には徒歩で簡単にアクセスできます。なお、ほとんどの家屋では、作品を保護する目的で写真撮影が禁じられています。地元のボランティアによると、家プロジェクトで公開された作品はすべて永久保存されるとのことです。直島の住宅の大半は木造で、家々が隣接して並んでいます。窓や戸はどれも通常より小さく、都会から訪れる者に一種独特の印象を与えます。家屋そのものも比較的小さいものです。人家の周囲の庭や植物は、伝統的な様式で美しくきちんと手入れされています。この辺りを歩き回ると、狸の彫刻や空き缶を再利用したアート作品などの細部に、各家の持ち主の趣味の良さを垣間見られるかもしれません。

Besides all the interesting museums, the island itself also has a certain charm that it offers. The wooden walls and rusty metal factories add a natural texture to the island, giving it a sense of mysterious beauty that can only come with old age. Walking around, you’ll spot even more artwork, such as interesting silhouettes of people made with lines of wool, which are attached to walls throughout the area. They’re often quietly hidden away behind corners, waiting to surprise you when you turn around. It almost felt like these whimsical artworks were playing hide-and-seek with the tourists.


これら興味深い美術館の他にも、直島には当地ならではの魅力があふれています。木の壁や錆びた金属工場が、時を経たものだけが持つ神秘の美を醸し出し、この島の自然な質感を漂わせるのです。散策を続けると、この地域のあちこちの壁に、毛糸の線で人の形に描かれ、貼り付けられたアート作品なども見られます。これらの作品は、密かに角の向こう側に隠れているものが多いため、ふと振り返ると驚かされます。まるで、気まぐれなアート作品が観光客とかくれんぼをしているかのようです。

Not far from Miyanoura Port lies the famous polka-dot pumpkin by Yayoi Kusama. It sits quietly by the sea and the water’s blue hues seemed to make the pumpkin’s yellow brighter than ever. Yayoi Kusama’s merchandise can be purchased at the Benesse House Museum, which also showcases other very interesting artworks. From there, you can head to a café located on the mountaintop to relax with a nice cup of coffee. It is the perfect place to bask in the sunlight, while embracing the gentle wind coming in from the beach. The tranquil vibes of the island, the cutting-edge architecture of the art museums, and the traditional Japanese houses all co-exist harmoniously, perfectly demonstrating the unique nature of Naoshima.


宮之浦港から程近い場所に、草間彌生氏の有名な水玉模様のかぼちゃがあります。海辺に静かに佇み、海の青い色調がかぼちゃの黄色をさらに色鮮やかに演出するかのように見えます。草間彌生グッズを販売するベネッセハウスミュージアムでは、他にも注目に値する作品の数々が展示されています。そこから山頂にあるカフェに向かい、のんびりコーヒーを楽しむこともできます。浜辺から吹くそよ風を受けながら日光浴するには最適な場所です。この島の穏やかな空気感、斬新な美術館建築、伝統の日本家屋、それらすべてが絶妙な調和で共存し、直島独特の自然を見事に示しているのです。

Websites:
setouchi-artfest.jp
benesse-artsite.jp

 

Contributor & Photographer: George Liu Zhen
Additional Image Courtesy of Chi Chu Art Museum


ウェブサイト:
setouchi-artfest.jp
benesse-artsite.jp

 

寄稿者&カメラマン: George Liu Zhen
Additional Image Courtesy of 地中美術館

Bike Rides Around Kyoto

Visiting bike rental shops has become a favorite pastime of mine when traveling to new places. Bicycles can get you to your destination faster than on foot, but at the same time, they still allow you to stay engaged with your surroundings and take in the scenery at a relaxing pace. Add to the fact that it is also good exercise, which can help develop an appetite for some good local cuisine, it can be hard to resist wanting to take a bicycle around everywhere. With a variety of bike rental shops to choose from, riding around Kyoto couldn’t be any easier. Rentals are simple: after a quick deposit and signing just a few forms, you’re off – with the wind blowing through your hair.


新しい土地を訪れるたびに、私は自転車屋に足を運ぶのが楽しく感じるようになりました。自転車は徒歩よりも目的地に早く着くだけでなく、負担のかからないペースで動き回り、周りの景色を味わうために足を止めたりして楽しむことができます。さらには健康にも良く、地元のお店の美味しい食べ物が味わえるよう食欲が増します。それほど、自転車でいろいろな場所へ行きたいという気持ちに駆られたのです。京都にはたくさんの自転車屋があるため、自転車で簡単に走り回ることができます。借りるのにも時間はかかりません。レンタル料金を支払い、いくつかの保証書に署名するだけで、あとは風に髪をなびかせて出かけるのです。

There is definitely a more ancient feel to the city of Kyoto. The graceful poise and traditions of Japanese culture can be experienced on street corners and within the bustling alleyways. The manner in which a large number of people go about their daily lives seems to be a reflection of times long past, many centuries ago. As an observer, it is easy to be completely captivated by the abandonment of modernity in certain areas of the city. Gion, the famous entertainment and Geisha quarter, is a good example of this. Riding through the tiny alleyways and cobbled streets that wrap around teahouses and quaint shops unveils a different side of Japan. In this area, many tourists and visitors dress up in traditional kimonos and take to the streets. If you’re lucky, you might even catch a real geisha, or a miko making an errand run between teahouses.


言うまでもありませんが、京都は古代の空気が漂う地です。街角や賑やかな路地からは、日本文化の優美な様相と伝統が感じられます。この地の何世紀も前の様子が、多くの人々の日常に映し出されているようです。そういった様子を伺う観光者としては、街の一定の界隈で見られる現代性に捉われない様子に心を奪われます。その例として、有名な娯楽地で、花街として知られる祇園が挙げられます。狭い路地裏をはじめ、茶屋や趣のある店舗が並ぶ石畳の道を進むと、これまでには感じたことのない日本の一面が伺えます。この地域では、多くの観光客の他、伝統的な着物に身を包んだ訪問者が通りに繰り出します。運が良ければ、茶屋を行き交う本物の芸者さんや舞妓さんと出会えます。

It is roughly 12 kilometers from Gion to Arashiyama’s Sagano Bamboo Forest, depending on which exact area of the Gion district you’re riding out from and which route you take. Consisting of mostly flat roads, the journey isn’t overly strenuous. The Sagano Bamboo Forest is a magical place that has an ethereal quality to it, created by the filtered overhead sunlight that peeks through the towering bamboo. Walking further into the lush bamboo grove and past the Tenryū-ji temple entrance, you can find one of many spectacular views of the dense forest. Taking in the surroundings, it is easy to see why bamboo is so prevalent in Japanese mythology and legends. In traditional Japanese culture, bamboo is symbolic of strength and prosperity – and it is also widely used for construction, household goods, and textiles in Japan.


出発地点やルートにもよりますが、祇園からおよそ12キロ離れた場所には嵐山の嵯峨野に広がる竹林があります。ここまでの道のりはほぼ平坦で、辿り着くまでにそれほど疲れを感じさせません。ここは、高く伸びた竹林の合間を縫って太陽の光が降り注ぎ、この世のものとは思えない優雅さを醸し出す実に神秘的な場所です。さらに奥に進み天龍寺の門をくぐると、この深い竹林の中でも最も壮大な眺めが目に入ります。周りを見渡すと、なぜ竹林が日本の神話や伝説の共通項として登場するのか納得がいきます。竹林とは、日本文化の強さと繁栄を表すシンボルなのです。日本において竹は、建設、家庭用品、また、繊維製品にも使われています。

After treating yourself to a matcha-flavored soft serve, you will be ready to make your way to the Fushimi Inari-taisha Shrine. It is just a 13 kilometer bike ride from Arashiyama to Fushimi Inari without any major inclines or declines. The relaxing ride will expose you to the raw parts of the city and the Japanese suburbs. After parking the bike at the shrine entrance, you can begin to make your way up the footpath, which is lined with bountiful carts of delectable street food. The shrine was dedicated to the god of rice and sake – and since the hike to the top takes around two hours, this might be a fitting location to replenish your energy by enjoying some local delicacies and taking a short rest.


抹茶味のソフトクリームを片手に、次は伏見稲荷大社に向かいます。嵐山から約13キロ離れた伏見稲荷までの道中に大きな坂道はありません。清々しい気分で自転車を進めると、素晴らしい街並みや郊外の様子が見えてきます。神社の入口で自転車を停めて歩道を進むと、美味しそうな食べ物を売る屋台が立ち並ぶ様子が目に入ります。伏見稲荷は、お酒とお米の神様を祀るために建立された神社で、頂上までに徒歩でおよそ2時間かかるため、途中で地元の名物を味わったり、小休止するなど、英気を養わなければならないかもしれません。

The stunning shrine gardens and seemingly never-ending torii gates that repeat in alluring patterns overhead guide visitors up the mountain. The vibrant orange torii tunnel, made up of over 4,000 torii, is the perfect visual backdrop for the kimono-wearing locals and tourists who are making their trek up to the top of the peak. The shrine also features many foxes, which are considered to be messengers for the god of the grains, Inari Ōkami. Standing in the tranquility of the gardens and experiencing the sheer number of torii, you cannot help but be filled with a sense of awe and wonder. It was the perfect ending for my bike tour around Kyoto.


うっとりするような庭園の他、見上げれば、美しい模様を描いて延々と連なり、限りなく続くように見える鳥居が、訪れる者を山頂へと導きます。鮮やかなオレンジ色で彩られた4,000本以上の鳥居のトンネルは、頂上へと向かう着物姿の地元の人や観光客にふさわしい絶妙な景観です。この神社は、穀物の神様の使者とされる狐の神様・稲荷大神を祀る地としても知られています。庭園の静寂の中に佇み、無数の鳥居に囲まれると、畏怖と驚嘆の念に駆られるに違いありません。それは、私の京都自転車巡りの最高の終点でした。

Contributor & Photographer: Mireille Paul


寄稿者&カメラマン: Mireille Paul

Manhole Covers in Japan

In the mid-1900s, Tokyo and other major Japanese cities started implementing new manhole covers. Using textured surfaces to increase traction for passing traffic on rainy days, the new designs were created with both safety and functionality in mind. Not long after the implementation of these new manhole lids, Yasutake Kameda, an official from the Ministry of Construction, was tasked with convincing other Japanese provinces to connect to the main sewage system, which was a costly operation. In order to win over the public, he had a brilliant plan. Yasutake approached all the various municipalities with a proposition that allowed them to design their own manhole covers. His success is evident; throughout the country, turning manhole covers into beautiful pieces of art has become a tradition that’s still alive and well today.


1900年代半ば、東京や日本の主要都市では新しいマンホールの蓋の実装が始まりました。雨の日の交通用に静止摩擦を高める質感で、安全性と機能性を考慮した新たなデザインが生まれたのです。その直後に建設省の職員・亀田泰武氏は、コストの高い主要下水道の連結事業において、多くの地方自治体を説得する任務を任されました。亀田氏には、大衆を説得させるための見事な戦略がありました。マンホールの蓋に独自のデザインを施すという提案を元に、様々な市町村と交渉を始めたのです。その成果は見事に現れ、マンホールの蓋を装飾的な芸術作品に変えたこの時の慣習が、今も日本全国で受け継がれています。

The entire country of Japan now boasts over 6,000 of these custom manhole lid designs. They can be spotted in large metropolises as well as various rural areas. On top of that, there are even multiple museums throughout the country dedicated to manhole covers; some companies have even organized specialized committees that researches and preserves these lids. This cultural phenomena has attracted a devout following, including S. Morita, a photographer who has become well known for finding and documenting these works of art.


日本の大都市だけでなく数々の農村地域には、現在6千個以上の特注マンホールデザインが見られます。さらに国内では、マンホールの蓋のみを集めた専門博物館が多数あるだけでなく、蓋を調査して保管する専門委員会を組織化した企業さえ存在します。この文化的現象は、このような芸術作品の発掘とドキュメント化で著名な写真家、S. Morita氏のような熱心な愛好家を魅了してきました。

In Morita’s photos, the multicolored manhole lids can be seen exploring a wide spectrum of subjects, with animal and plant life, cultural customs, and history being the most common themes. At times, the manhole covers are designed to commemorate certain events or dates. There are even manholes that feature characters from the famous Japanese anime Detective Conan. The designs on certain manhole covers also serve as identifiers for the jurisdiction responsible for maintenance. Others might place more emphasis on functionality and practicality, some feature directions, others might cover up subterranean fire hydrants, and some lids in residential areas even offer directions to nearby emergency shelters by using different colored arrows to indicate how far the shelter is. There are also taboos when it comes to manhole cover art, with an unspoken rule being to not feature portraits of people. Besides portraits, it’s also uncommon to see national shrines and temples on these lids.


Morita氏の写真には、最も一般的なテーマの動植物、文化的慣習、歴史など、幅広いテーマを読み取れる色彩豊かなマンホールの蓋が見られます。マンホールの蓋は、特定の行事や日付を記念してデザインされることがあります。さらには、人気アニメ『名探偵コナン』のキャラクターが登場するマンホールもあります。一部の蓋では、当該地域のメンテナンス用の目印とされるデザインもあります。他にも機能性や実用性に重点を置いたもの、方向を示すもの、地下消火栓を覆うもの、また、住宅街では近隣の緊急避難所への道順が描かれ、色違いの矢印で避難所までの距離を示すものもあります。マンホールの蓋のデザインに関しては禁止事項もあり、人物の肖像を使用してはならないという暗黙のルールがあります。肖像の他に、神社仏閣が描かれた蓋はほとんど見かけられません。

The next time you’re in Japan, take notice of the ground when you’re walking about. You just might find yourself standing on a piece of art!


日本に訪問の際、街を歩く時にはぜひ地面に目を向けてみてください。気が付いたら芸術作品の上に立っているかもしれません!

Website462photoblog.net
Flickr
: ~/mrsy

 

Contributor: Banny Wang
Images Courtesy of S. Morita


ウェブサイト462photoblog.net
Flickr
: ~/mrsy

 

寄稿者: Banny Wang
Images Courtesy of S. Morita

ONEQ’s Evocative Illustrations

ONEQ is a Japanese illustrator who’s most well known for her illustrations of vintage pin-up girls. Her drawings seamlessly blend Western and Eastern styles – think 1900s American poster art, with the curvy sexualized female form, mixed together with the flawless skin and delicate features of the females portrayed in Japanese mangas. ONEQ says she’s endlessly fascinated with women and the female body. This fascination is mirrored in all of her work, where she draws captivating images of voluptuous hourglass-shaped women, powerful and seductive. Her illustrations are proud celebrations of femininity and sexuality.


ONEQは、ヴィンテージピンナップガールのイラストで特に知られる日本在住のイラストレーターです。彼女の絵は西洋と東洋の美人画のスタイルを見事にブレンドしたものです。曲線美が強調された女性の肉体にあふれた1900年代のアメリカのポスターアートが、日本の漫画の様式で描かれる女性の完璧で繊細な容貌の融合点を想像してみてください。ONEQは、女性とその肉体が持つ不思議な曲線美に魅せられていると語ります。そんな魅惑の影響が、妖艶にウエストがくびれ、たくましいほど極度に誘惑的な女性のイメージをとらえた彼女の作品すべてに反映されています。これらの作品は、女性らしさとセクシュアリティを高らかに称賛しているように見えます。

ONEQ was born, raised, and is currently based in Kumamoto, the capital of Kyushu island. As a completely self-taught artist, ONEQ’s love affair with illustration, like most illustrators, can be traced back to her childhood. Mangas were a big part of that childhood. Generally, Japanese manga is separated into different categories, some cater to a female audience and others cater to a male audience. Having an older brother allowed her the opportunity to be exposed to both worlds.


ONEQは、九州の熊本で生まれ育ちました。完全に独学のアーティストであるONEQと絵との親密な関係は、多くのイラストレーター同様、彼女自身の幼少期に遡ります。日本人である彼女にとって漫画文化は子供時代の大きな割合を占めるものでした。日本の漫画は、女性向けと男性向けという2種類に大きく分類する事ができるでしょう。年の近い兄がいる彼女は、その両方の持つ世界感に浸るチャンスに恵まれたわけです。

She cites three major influences that pushed her along the path to becoming an illustrator. The first is the famous manga artist Rumiko Takahashi, the illustrator behind Ranma 1/2 and InuYasha, who she says is her biggest influence. The second is Rockin’ Jelly Bean, a famous Japanese pop artist, whose use of colors captivated her and changed the way she looked at how colors could be used. The third is Simon Bisley, a British comic artist that portrays women in equal parts femininity and equal parts strength. All of these influences came together and evolved her artwork into what it is today.


彼女は、自身を振り返りイラストレーターの道へと歩ませた影響力の高い3人の作家を過去に挙げています。1人目は、『らんま1/2』や『うる星やつら』の作者として著名な日本の漫画家、高橋留美子で、ONEQにとって子供時代に強力な影響を初めに受けたとのこと。2人目は、鮮やかな色使いや完成度の高さが彼女を魅了し、色彩への見方を変えるきっかけとなった有名なポップアーティスト、ロッキン・ジェリー・ビーン。そして3人目は、女性の女らしさと力強さを濃厚に描きあげるイギリスのコミックアーティスト、サイモン・ビズリー。これらの素晴らしい影響力すべてが一体となり、今日見られる彼女の作品に昇華したわけです。

Having just turned thirty-four earlier this year, ONEQ is working full time as a freelance artist, but just recently reallocated one day out of every week to work at her friend’s bar. Her motivations behind this aren’t financial. The bar is stimulating and the atmosphere inspires her art, she says. “Many unique and powerful ladies go there on weekends. Their energy is captivating.” Not a stranger to this lifestyle, she recalls being mixed up in Japan’s night life scene as a teenager. Often missing school, ONEQ would find herself spending time in the more dubious parts of town. Even though she prefers the slow-paced and quiet life in Kumamoto, she considers Japan’s night life to be another aspect of Japanese culture that has influenced her artwork and style. She says, “In that regard, I consider my past to be both good and bad.”


ここ最近の彼女は、フリーランスアーティストとして制作に専念するかたわら、週に一度だけ友人のとあるバーへ手伝いに出かけるそうです。この不思議なライフスタイルのきっかけとなったのは経済的なものからではなく、その空間には彼女の制作を刺激し手助けする雰囲気やパワーがあるのだと言います。「週末になると、ユニークでミステリアスな女性が多く遊びに来ます。そのエネルギーや感触が制作の刺激になっている。」と彼女は語ります。そんなライフスタイルに無縁ではない彼女は、夜の繁華街で遊んでいたティーンエイジャーの頃を回想します。彼女はたびたび学校を休み、夜の妖しい繁華街で友人達と日常を過ごしたものです。熊本の静かでのんびりとした生活を好むとはいえ、夜の怪しげなネオン達が自身の作品にも少なからず影響を与える日本文化の側面でもあると考えています。「自分の過去は良い面と悪い面、両方の要素で成り立っていると思っています。」と述べています。

ONEQ’s creation process is a mix of both traditional and modern techniques. She first begins with rough sketches to flesh out the initial concept. Once the idea has been clearly thought out, she will then draw a refined version in monochrome by using mechanical pencils. If the image is intended to be a colored piece of work, it gets scanned and digitally colored in Photoshop. Her pieces that involve color could take upwards of two weeks to fully complete.


彼女の制作プロセスは、伝統と現代の技術をカジュアルに組み合わせたものです。まずラフスケッチから始め、最初のコンセプトを肉付けしていきます。アイデアやイメージが明確に浮かんだ段階で、今度はシャープペンシルを使ってモノクロで精密な線画を描いていきます。作品が彩色画となる場合は、Photoshopでデジタルに彩色を施します。色彩を用いた場合の彼女の作品は、最終的に完成までに2週間を超えることもあります。

Besides only working on paper and computer screens, she has also completed numerous murals and is keen on creating even more in the near future. She says, “I want to create more murals. It would be great if I could create murals in different places all over the world. Shanghai is definitely on my list.” ONEQ elaborates by saying that she doesn’t approach her art with any intentions of being famous; her sense of artistic accomplishment comes from creating artwork that she personally finds meaningful. This sincerity that she approaches all her illustrations with is undoubtedly another aspect of what makes her artwork so alluring.


スケッチブックやデジタルで描く作品のみならず、多数の壁画も手がける彼女は、近い将来さらなる壁画制作に意欲を見せています。彼女は、「もっと多くの壁画を制作したいと思っています。世界中のいろんな場所で壁画を制作しながら旅ができたら素晴らしく楽しいでしょうね。上海にもいつかぜひ描いてみたい」と言います。ONEQは、有名になりたいという欲求のみで作品に取り組むわけではなく、彼女自身の芸術的達成感が作品制作自体から同時に湧いてくるものであり、それが最も彼女にとって有意義だと感じる瞬間だと語ります。彼女の制作プロセスにおける誠意が、紛れもなくその作品の魅力を引き出す要素なのです。

Website: kotemufu.exblog.jp
Behance: ~/oneq-japan
Facebook: ~/oneq.pinup
Instagram: @negiyakisoba

 

Contributor: David Yen


ウェブサイト: kotemufu.exblog.jp
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寄稿者: David Yen