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1972

In post-war Japan, cities victim to firebombings were left in a state of ruin and despair. But in the wake of devastation, some Japanese architects optimistically saw opportunity; they saw a chance to prove the country’s resilience, rebuild their cultural identity, and transform the nation into an improved version of its previous self. During this period of time, the influential architectural movement known as Metabolism was born, revolving around the concepts of organic growth and megastructures. The idea was that buildings didn’t have to be static; instead, they could be ever-changing, adapting and transforming according to different needs. One of the most iconic buildings of the movement—the Nakagin Capsule Tower—can still be found today in Tokyo’s Ginza District. Built by the famous architect Kisho Kurokawa, the unique structure consists of 140 removable capsules plugged into two concrete cores and is the main subject of Noritaka Minami’s photo book 1972, named after the year that the building was officially completed.


戦後の日本、爆撃の被害を受けた都市が廃墟と化し、絶望的な状況に陥りました。しかし、そのような焼け野原に好機を見出した建築家達がいました。日本の回復力を示し、文化的アイデンティティを再構築し、国を元の姿の改良版に変えるチャンスだと考えたのです。この当時、有機的成長およびメガストラクチャーの概念を中心に展開する影響力の高い建築運動「メタボリズム」が生まれました。それは、建物が静的なものである必要はなく、様々なニーズに合わせて絶えず変化し、順応し、変形できるものという発想でした。この運動の最も象徴的な建築物の一つが、今も東京・銀座に建つ中銀カプセルタワービルです。有名な建築家、黒川紀章設計のこの特異な構造は、2本のコンクリートコアに繋がった取り外し可能な140戸のカプセルで構成され、この建物の竣工年にちなんだミナミ・ノリタカ氏の写真本『1972』の主題なのです。

Noritaka Minami is a Japanese-born and America-raised photographer who only began documenting the building in 2010. At the time, there was a sense of urgency to complete the project. “There was a very real possibility that it would be demolished and replaced with a more ‘conventional’ apartment complex,” says Minami. “As of today, the building does not face imminent destruction, but still faces a very uncertain future in regards to its preservation.” The building was experimental, a prototype that sought to explore the possibilities of alternative methods of urban living in the future. Through his photos, Minami wants to offer viewers an opportunity to see the past’s interpretation of the future.


日本で生まれ、アメリカで育ったミナミ・ノリタカ氏は、2010年にこの建物を記録し始めたばかりの写真家です。当時は、同プロジェクトを早急に完成させるという切迫感に苛まれていました。「この建物が取り壊され、もっとありきたりの共同住宅に建て替えられるという非常に現実的な可能性があったのです。」とミナミ氏は語ります。「今日現在、差し迫った取り壊しには直面していませんが、建物の保存についての将来は今も漠然としています。」この建物は、都市生活の代替的方法の可能性を探ることを目的とする原型でした。自身の写真を通じてミナミ氏は、過去における未来の解釈を伝える機会を見る者に与えたいと考えています。

“Each capsule is a container that has accumulated all of the moves and decisions that were performed by individuals over the course of four decades,” says Minami. “Although I do not directly depict the resident who occupies that space, I want each photograph to suggest that the capsule holds the history and presence of people who occupy or have occupied that space.” With respect to the inhabitants, his photographs are completely documentary in nature; objects, furnishings, and light were photographed as it were without any alterations on his part.


「カプセルはそれぞれ、過去40年に渡って個人が蓄積してきたあらゆる行動や決断が積み重なった容器です。」そうミナミ氏は述べます。「私は、この空間の居住者を直接描写しているわけではありませんが、写真の一枚一枚を通して、カプセルが留める住人の経歴や存在を暗示できればと思います。」居住者に敬意を払い、彼の写真は完全にドキュメンタリーの性質を持ち、物、家具、光は、手を加えられることなく、ありのままに撮影されています。

Shot on both medium and large-format cameras with an ultra-wide lens, Minami’s collection of images captures the nuances of each ten square meter living space, revealing the the ways each resident has adapted to the living conditions. “The limited space of a capsule also influences the amount of belongings each resident can possess, more so than a conventional apartment,” Minami mused. The restricted space of each capsule often leads to the majority of an inhabitant’s worldly belongings to sit out in plain view; To this effect, Minami saw each pod as an extension of each resident’s personality. “From a very early point in its history, the criticism against the Capsule Tower was that the individual units are too small and not flexible enough for everyday use,” he says. “Yet, the fact that these small rooms are still being occupied to this day demonstrate the residents’ ability to find new and unexpected applications within the limited area of ten square meters that go beyond the original vision of the building as urban homes for businessmen.”


超広角レンズを用いて、中判と大判両方のカメラで撮影されたミナミ氏の一連の写真は、各10平方メートルの生活空間のニュアンスを捉え、それぞれの居住者がいかにしてこの生活条件に順応していったのかを示すものです。「カプセル1戸の限られたスペースは、標準のアパートと比べて各居住者が保持できる所有物の量にもはるかに大きく影響します」とミナミ氏はつぶやきます。カプセルの限られた空間のため、住人の生活感あふれる所有物のほとんどが目につく場所に置かれることになります。このことから、ミナミ氏は各戸を住人それぞれの個性の延長とみなしました。「カプセルタワーの歴史のごく初期の段階から、この建物への批判といえば、個々の単位があまりにも小さく、日常の用途としては融通が利かないというものでした。」ミナミ氏は続けます。「それでも、この小さな部屋に現在まで住居者がいることを考えれば、10平方メートルという限られた領域内で、ビジネスマンのための都会の住居という当初の構想を超越する斬新で予想外の応用法を見つける住人の才覚がうかがえます。」

As the Nagakin Capsule Tower is a private building, gaining access can be rather difficult for non-residents. “The project was only possible through the generosity of the couple that first allowed me to visit their capsule during the summer of 2010,” Minami explained. Many of the photographs in the book were made possible through the couple’s acquaintances in the building. By luck, Minami eventually met others in the building who granted him permission to document their pods, offering a candid glimpse into their living space.


中銀カプセルタワーは民間の建物であることから、部外者が建物内に入るのは容易ではありません。「このプロジェクトは、2010年の夏、初めてカプセル訪問の許可をくださったご夫妻のご好意なくしては実現不可能でした」とミナミ氏は説明します。この本に掲載された写真の多くは、この建物に住む同夫妻の知人を介して実現したものです。運良く、ミナミ氏は他の住人とも出会い、彼らの住居を記録し、住空間のありのままの姿を垣間見る許可も得たのです。

During the time that Minami worked the project, the people that chose to live in the building came from all walks of life, ranging from a young local art student attending university to a construction worker in his sixties. What attracted each resident was different: some were interested in its historical significance, some were curious about living in an unconventionally built structure, and others lived there for practical reasons like convenience and affordability. Although many residents are in favor of preserving the building, aware of its history and cultural significance, there are some residents who aren’t as keen, seeing the potential of maximizing the prime real estate that the building sits on by replacing it with a newer apartment.


ミナミ氏がこのプロジェクトに取り組む間、この建築物を住居として選んだのは、地域の若い美大生から、60代の建設作業員まであらゆる階層の人々でした。この建物に惹かれた理由は居住者によって様々で、建築物の歴史的意味合いに興味を持つ者もいれば、異例な形で建設された構造に住んでみたいという好奇心から、さらには便利で安価という実用的な理由から住む者もありました。居住者の多くが、カプセルタワーの歴史的・文化的意味合いを認識した上で保存に賛成する一方、この建物が立地する一等地を最大限に活かして新しい集合住宅に建て替える可能性を支持することから、保存に賛成できないという住人もいます。

Minami’s book was finally published last year, made possible with a successful Kickstarter campaign and a grant from the Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts. “The idea of presenting this project as a photo book attracted me because the format could show more photographs than what is normally possible within the physical space of a gallery,” he explained. “Designing the book also presented challenges and possibilities that are different from designing an exhibition. I learned a lot by creating the specific selection and sequence of images in order for the series to be experienced as a book.” 1972 is now available online through Amazon and other select retailers.


ミナミ氏の本は、成果の高いKickstarterのキャンペーンおよびグラハム財団高度美術研究基金からの助成金を得て、昨年ようやく出版されました。「このプロジェクトを写真本として発表するアイデアに惹かれたのは、この形ならギャラリーの物理的空間で展示可能な数より多くの写真を公開できるからです」とミナミ氏は説明します。「この本のデザインは、展覧会を構成するのとは違った課題や可能性を示すものでもありました。写真の具体的な選択や順序付けにより、本として一連の情景を手に取るように感じられるよう制作する中で多くを学んだのです。」『1972』は現在、Amazonや他の一流の小売業者によりオンライン販売中です。

Websitenoritakaminami.com

 

Contributor: David Yen
Images Courtesy of Kana Kawanishi Art Gallery


ウェブサイトnoritakaminami.com

 

寄稿人: David Yen
Images Courtesy of Kana Kawanishi Art Gallery

Japan, Pixelated

Since 2011, Japanese illustrator Toyoi Yuuta has been posting animated GIFs on his Tumblr under the moniker 1041uuu. Finding beauty in simplicity, he’s translated his vision of life in Japan into gorgeously animated pixel art. The highly approachable style of his pixel art has allowed his work to be widely praised and shared by netizens from all over the world. At the same time, Generation Xers, millennials, and gaming enthusiasts are able to more deeply appreciate the nostalgic qualities of his retro aesthetics.


2011年以来、イラストレーターの豊井祐太氏(ユーザー名:1041uuu)は、自身のTumblrにGIFアニメーションを掲載してきました。シンプルながらも美的な作品には、日本のライフスタイルがきれいなピクセルアートのアニメーションとして映し出されています。とても親しみやすいピクセルアートスタイルの作品は世界中のネチズンから絶賛され、広く知れ渡っています。その一方でジェネレーションXやミレニアル世代、そしてゲームマニアらは、レトロな美しさの中に感じられる懐かしい感覚を高く評価しています。

Originally born in Fukushima, Toyoi is currently based out of Kyoto, preferring the quiet pace of life there compared to the sensory overload of Tokyo, where he had previously lived for six years. In those six years, Toyoi found solace and inspiration in different aspects of the Tokyo that many might not immediately associate with the city, such as its rivers. “I think I’ve been influenced by the unique rivers of all the cities I’ve lived in. In particular, Tokyo’s Sumida River had a profound impact on me,” he says. From a cityscape reflected on the rippling surface of a river to koi fish idly lazing beneath a lotus leaf-covered pond, water makes frequent appearances in Toyoi’s work and is often one of the most noticeable animated elements.


福島出身の当人は、6年間暮らした東京から離れ、現在はゆったりとしたペースで暮らせる京都を拠点に活動しています。この6年間の暮らしで、すぐには東京とは思えない川など、この大都市の様々な一面から憩いを感じ、インスパイアされました。「これまでに住んだ街では、それぞれの川が持つ特徴に影響されたと思います。特に隅田川には大きく影響されました」と言います。波打つ川の表面に映る都市の景観や、蓮の葉に覆われた池を泳ぐ鯉など、多くの作品では水が見られ、これは最も目立つアニメーション要素の一つとなっています。

Another big influence for Toyoi is the popular arcade-style fighting game, The King of Fighters. The different two-dimensional background scenes in the game clearly lends inspiration for his animated GIFs. These in-game backgrounds range from forests with falling rain and leaves fluttering in the wind to industrial settings with machinery bellowing out clouds of steam. Some other scenes might depict more mundane moments of city life, such as lovers interacting in the background and blinking traffic lights. These little moments stuck in an infinite loop fascinated Toyoi. “To an art geek like me, these elements sparked something within me and I became interested in these realistic backdrops,” he says. Similar to the aesthetics of The King of Fighters and other retro fighting games, animating select details in a mostly still frame has become the trademark of Toyoi’s work.


他にも当人が大きな影響を受けたものとして、人気の高いアーケード型格闘ゲームのザ・キング・オブ・ファイターズがあります。このゲーム特有の二次元背景が、GIFアニメーションのアイデアを生んだことは言うまでもありません。このゲームでは、雨のなか風に揺られて木の葉が舞い散る森から、蒸気雲が吐き出て工場が密集する工業地帯に至るまで、様々な背景が登場します。また、恋人たちが触れ合う様子や点滅する信号機など、都会のありふれた日常生活の一部が背景として登場します。このように、どこにでも見られるようなありふれた瞬間が魅力となったのです。「私のような芸術おたくにとってこのような要素が刺激となり、現実的な背景に興味をそそられるようになったのです」と言います。ザ・キング・オブ・ファイターズのようなレトロな格闘ゲームで得られる美的感覚と同様、静止画像の細かい部分をアニメーション化することが作品のトレードマークとなっています。

For many artists, figuring out how to make sustainable income while pursuing their creative vision can be problematic, and Toyoi isn’t an exception. He revealed that his initial decision to create pixel art was in part due to to the restrictive nature of the tools he had access to. “I was poor and unemployed. I didn’t have a pen tablet and only had a PC track pad. But to create pixel art, I don’t need a high-resolution computer or much special knowledge and training,” he recalled. Despite garnering high praise for his GIFs, the popularity of his work still hasn’t translated into any money-making opportunities. “I still don’t have any money at the moment, so I’m trying to sell some of my artwork now,” Toyoi candidly admitted. “I’m looking into selling silkscreen prints in the near future.”


他の多くのアーチスト同様、芸術を追求する一方で生活を維持するための収入を得ることは、今でも抱えている悩みです。作品を作り始めた頃にピクセルアートに取り組もうと決めた理由として、手に入るツールには限りがあったことを掲げます。「職にも就かず、お金もありませんでした。ペンタブレットもなく、持っていたものはコンピューターのトラックパッドだけです。ただ、ピクセルアートを制作するには高画質のコンピューターや、専門知識と研修もそれほど必要ありません」と過去を振り返ります。GIF作品が高く評価されたとしても、それが収入の機会に繋がったわけではありません。「今もお金はありません。だからこそ、作品を売ろうとしています。近い将来、シルクスクリーンプリントを売ろうと思っています」と心のうちを語ってくれました。

Introverted by nature, Toyoi tells us that people aren’t of much interest to him. Instead, his interests lie in the intangible, such as the feelings and smells of a place, holding the belief that these are the elements that truly make up the essence of a city. “The world is filled with rules that aren’t explicitly written out, and it feels like I’m not very good at reading them, because I don’t understand these unspoken codes. I find society to be a scary place,” he says. Toyoi’s work is a tranquil respite from the whirlwind of unpredictability, volatility, and anxiety that plague our modern lives. His gift lies in the way that he’s able to invoke a blissful sense of tranquility by simply presenting the nuanced beauties of life that many overlook, rendering these ordinary moments into gorgeous works of art.


当人はもともと内気な性格なため、特に人物に関わるテーマには関心がありません。むしろ景観やそこから感じ取れる形のないものこそが、都会の本質を作り上げる要素だと考えています。「この世は明確に記されていないルールで溢れています。暗黙のルールを理解できない私は、そういったルールを読み取るのが上手くありません。社会は恐ろしい場所だと思っています」と言います。作品には、現代社会の悩みとなっている予想のできない世界観、移り変わり、そして不安から一時的に解放される様子が伺えます。当人の才能は、誰もが見落としがちな日常生活の微妙な美しさを表現し、ありふれた瞬間を見事な作品に描写することで、喜びや安らぎを感じさせる手法にあります。

It generally takes Toyoi two days to complete a GIF. The preliminary planning stages are admittedly much more difficult, he says. It’s crucial for him to avoid repetition. “Sometimes choosing the idea can take up to two weeks. Even now, two months can go by without me drawing anything,” he says. “For example, if I have already drawn a picture of a businessman asleep in a in a bus, then I would not draw a picture of a student asleep on a train.  There is no essential difference in my mind between the sleeping businessman and the sleeping student, or a train and a bus.”


通常、GIF作品を作るには2日かかります。事前のプランニングがかなり大変で、同じような作品を作らないようにする点が極めて大切だと言います。「アイデアを決めるまで2週間かかることがあります。今でも、何も描かずに2ヶ月が過ぎることもあります。例えば、バスの中で居眠りしているサラリーマンの絵を描き始めていたとすると、電車の中で居眠りしている学生の絵を描くことはありません。眠っているビジネスマンと学生や、電車とバスに本質的な違いはないと考えています」

“For now, I’ll be content if my work allows people to better appreciate the world around them. Japan has many problems, such as the threat of earthquakes, nuclear power plant accidents, distrust of the government, overworked people suffering from work-related stresses, and so on.” As if to counterbalance these large scale, hard-to-solve problems that trouble his mind, Toyoi’s charming GIFs instead hone in on the simple beauties of everyday life in Japan. “Regardless of some of the country’s issues, I want people to visit Japan. I certainly recommend Kyoto.”


「差し当たり、作品を見た人が、その人の周囲の環境を改めて認識するきっかけになってくれれば嬉しいです。日本は、地震の脅威、原発事故、政府への不信感、仕事のストレスで過労に悩む人々など、多くの問題を抱えています」と言います。このような、大掛かりで問題解決が難しい状況の中で、何かの埋め合わせとなるかのような魅力を持つGIF作品は、日本の日常生活のシンプルな美しさに焦点が当てられています。「一部の国が抱える問題はともかく、誰にでも日本に足を運んでいただきたいと思っています。もちろん、京都がお勧めです」

Tumblr: 1041uuu.tumblr.com
Instagram: @1041uuu

 

Contributor: David Yen


Tumblr: 1041uuu.tumblr.com
Instagram: @1041uuu

 

寄稿人: David Yen

The Post Town of Tsumago-juku

Lasting between 1603 and 1868 was the Edo era, one of the most prosperous periods of time in the history of Japan. During this time, Japan was under the rule of the Tokugawa shogunate, the last feudal Japanese military government, and the country’s 300 daimyō, the all-powerful feudal lords who ruled most of the land. Characterized by intensive economic growth, an excessively strict social order, isolationist foreign policies and a flourishing art scene, the Edo period played a profound role in the industrial, artistic and intellectual development of Japan.


日本の歴史上最も繁栄した時代の一つである江戸時代は、1603年から1868年まで続きました。当時の日本は、この国最後の封建制度下の軍政府であった徳川幕府の支配下にあり、全権力を握る領主として300人の地方大名が国土の大半を統治していました。著しい経済成長、過剰なほど厳格な社会的序列、鎖国政策、芸術的背景の開花に象徴される江戸時代は、産業面においても、芸術・知的面においても、日本の発展に重要な役割を果たしました。

Located in Nagiso, Nagano Prefecture, Tsumago-juku is the 42nd of the 69 post towns on the Nakasendō, a trade route that stretched over 530 km and connected modern-day Tokyo with Kyoto during the Edo period. As one of the most well-preserved towns in Japan, people stopping by Tsumago are usually visitors looking to experience an authentic slice of Japanese history and soak in the ambience of a historic Japanese post town.


長野県の南木曽町(なぎそまち)に位置する妻籠宿(つまごじゅく)は、江戸時代の商業街道として現在の東京と京都を結ぶ530 kmに渡って栄えた中山道六十九次のうち42番目の宿場でした。日本国内で最も保存状態に優れた町である妻籠宿を訪れる観光客らは、歴史的な日本の宿場町の雰囲気に浸り、日本史の真の一面に触れることができます。

Before becoming a part of the Nakasendō route, Tsumago was part of the Kisoji, a minor trade route running through the Kiso Valley. The town fell into poverty after the construction of the Chūō Main Line railway, which bypassed Tsumago. As a result, the town ended up being neglected for over a century. Yet, with enough dedication and effort from locals, over 20 houses were restored by 1971. Five years later, Tsumago was deemed as a Nationally Designated Architectural Preservation Site by the Japanese government and has since then become a fairly popular tourist destination.


中山道の宿場となる以前、妻籠宿は、木曾谷を抜ける比較的小規模な商業街道であった木曽路の一部でした。やがてこの町は、妻籠宿を迂回して建設されたJR中央本線開通後、貧困に陥ることになります。その結果、町は1世紀以上もの間、世間から忘れ去られた存在だったのです。それでも、地元住民の献身と努力の甲斐あって、1971年までには20軒を超える町の家屋が修復されました。そしてその5年後、妻籠宿は日本政府により重要伝統的建造物群保存地区に指定され、今日では人気の観光地となったわけです。

It only takes a short ten minutes to go through the entirety of Tsumago on foot. A myriad of wooden Edo-style temples, shrines and two-story inns are scattered along the street. Cars are strictly prohibited on the main road during the day, and all the power cables along with the telegraph lines are concealed. It’s details like these that brings forth the feeling of having traveled back in time for visitors.


妻籠宿の町全体を通り抜けるには徒歩で10分もあれば十分です。通りに沿って、江戸様式の木造の神社仏閣や二階建ての旅籠が軒を連ねています。日中は、車での本通りの通行は厳禁で、電信線のケーブル線はすべて見えないように隠されています。こういった細部が、過去に旅する気分を訪れる者に味わわせてくれるのです。

Different kinds of accommodations are available for travelers, including a rebuilt version of the town’s honjin, which used to be a major way station for government officials. It was the place where only feudal lords and other representatives of the shogunate would stay during their travels. Originally destroyed, the inn was reconstructed in 1995, but the new building still manages to retain the sense of charm that it once held during the Edo era.


町には旅行者向けに様々な宿泊施設があり、中には、幕府の官僚らが利用する宿舎であった本陣を改築した宿もあります。ここは、大名など幕府の役人らが移動中に滞在した場所でした。元の本陣が荒廃したのち1995年に再建されたものですが、江戸時代の栄華の名残を今も留めています。

The waki-honjin, which is a smaller version of the honjin, is the secondary inn. In the past, it accommodated travelers of lower status and retainers of the feudal lords. Reconstructed in 1877, the waki-honjin was rebuilt with Japanese cypress, which was actually prohibited by the government during those times. According to the rules, when two official parties were traveling through Tsumago, only the most powerful of the two could stay in the main honjin, while the other party must reside in the waki-honjin.


本陣の小型版、脇本陣は、補助的な宿泊施設を指します。かつて、ここには位が低い旅人や、大名の家来などが宿泊していました。1877年に再建された脇本陣は、当時幕府により使用が禁止されていた檜で再築されたものです。規則に則って、2つの役人団体が同時に妻籠宿に滞在した場合、格式が高い一行のみが本陣での宿泊を許され、もう一方は脇本陣の利用を余儀なくされていました。

The government has a set of stringent laws that prevents any of the buildings in Tsumago to be rented out, sold, or demolished. The town remains uninhabited nowadays, and its only the traditional craft shops and inns crammed with people during the tourist season that brings the sleepy town to life. But for people looking to experience a piece of Japanese cultural history, this quaint little town is a must-visit destination.


政府により、妻籠宿の全建築物の賃貸、売却、解体を防止する一連の厳しい法令が制定されています。現在この町には居住者がおらず、行楽シーズンには伝統工芸品の店舗と宿泊施設だけが観光客で賑わい、静かな町に活気が戻ります。日本の文化史を体験したい方にとって、この趣のある小さな町は、是非訪れたい場所と言えるでしょう。

Contributor: Anastasia Masalova
Photographer: Tutu


寄稿者: Anastasia Masalova
カメラマン: Tutu

Art Island Naoshima

Setouchi Triennale takes place in spring, summer and autumn once every three years and lasts for 108 days. It is held on the 12 islands of the Seto Inland Sea, including Teshima, Megijima, Naoshima, and so on. With the largest number of installations and public works on display in Naoshima, this remote island is one of the most popular destinations during the Triennale.


瀬戸内国際芸術祭は、トリエンナーレ形式で3年毎に春から秋にかけて108日間開催されます。豊島、女木島、直島など瀬戸内海に浮かぶ12の島を舞台にアート作品が展示されます。インスタレーションやパブリックアート作品が最も多く展示される離島、直島は、芸術祭開催中最も人気が高い目的地の一つです。

Designed by the world-famous architect Tadao Ando, the Chichu Art Museum lives up to its name (chichu means “underground” in Japanese); a very large part of the museum’s compound is indeed concealed underground. Surprisingly, it manages still to use natural daylight as its main source of light. Through Ando’s masterful design, he has engaged in a conversation between architecture and nature. The museum is also exhibiting Time/Timeless/No Time from the iconic American minimalist artist Walter de Maria, Claude Monet’s large-scale oil painting Water Lily, as well as the American contemporary artist James Terrell’s Open Sky – an installation work using light as the medium. It is very rare to witness the work of impressionist, modern and contemporary art in one single museum. This alone would be reason enough to pay a visit.


世界的な建築家、安藤忠雄氏の設計による地中美術館は、その名の通り、館内の大部分が地下に隠れています。それでも意外なことに、ここでは自然光が主な光源として採り入れられています。その卓越した設計で、安藤氏は建築と自然の対話を実現しました。この美術館では、アメリカのアイコン的ミニマルアート作家、ウォルター・デ・マリアの作品「タイム/タイムレス/ノー・タイム」、クロード・モネの大規模な油絵「睡蓮」、さらに、アメリカの現代アート作家、ジェームズ・タレルによる光を媒体としたインスタレーション作品「オープン・スカイ」を展示しています。印象派、近代・現代アートの作品を一か所で目の当たりにできるのは非常に稀なことです。この点だけでも、一見の価値がある美術館といえるでしょう。

Another must-see museum is the Lee Ufan Museum. Widely considered as the most well-established Korean contemporary artist, Lee Ufan was also one of the leading artists of the Japanese minimalism movement, which has had a significant influence in the world of contemporary art. The museum opened in 2010, and is now considered an architectural masterpiece and one of Tadao Ando’s most iconic creations. In this semi-underground building, the main visual design elements are the dots, lines, and surfaces; these elements, which are central in the works of both Tadao Ando and Lee Ufan, perfectly compliment each other in the space. Some of Lee Ufan’s large-scale installations and his early paintings are also on display in the museum.


もう一つ是非訪れたい美術館は李禹煥美術館です。最も評価の高い韓国人アーティストとして広く認められた李禹煥氏は、現代アートの世界に大きな影響を与えた日本のミニマリズム運動において優れたアーティストの一人でもありました。2010年に開館したこの美術館は、安藤忠雄氏の最も象徴的な作品の一つと考えられ、まさに建築の傑作です。この半地下の建物の内部で焦点を当てられたビジュアルデザインの要素は、点と線、そして面です。安藤氏と李氏、双方の作品の中枢をなすこれら3つの要素が、見事にこの空間で互いに調和しているようです。館内には、李禹煥氏の大型インスタレーション作品と初期の絵画作品のいくつかも展示されています。

After seeing the museum, visitors can also take a walk to the peaceful harbour of Naoshima where one can get an award-winning ice cream for only 550 yen and enjoy a beautiful sunset. Even though walking is a fairly feasible option for getting around, there are also busses running to most parts of the island. One bus is even decorated in Yayoi Kusama’s signature pumpkin patterns.


李禹煥美術館を訪れた後は、直島の静かな港まで散歩し、賞の受賞経験もある550円のアイスクリームを買って美しい夕陽を楽しむのも良いでしょう。周辺は徒歩でも移動可能ですが、島のほとんどの場所にはバスも運行しています。草間彌生氏独特のかぼちゃ模様で装飾を施されたバスも1台走っているほどです。

Also located on the island is the Art House Project, where artists have turned empty houses on the island into works of art. Visitors can easily access all of the revamped buildings by foot after getting off at one of many convenient bus stops. For the purpose of protecting the artworks, photography is forbidden in most of the houses. A local volunteer told me all the works showcased for the Art House Project will be kept permanently. Most of the residential housing on the island are built with wood, standing one next to the other in close proximity. All the windows and doors are smaller than normal, bringing a different yet interesting experience for city dwellers who visit. Even the houses themselves come in rather small sizes. The gardens and plants around the houses are beautifully and neatly arranged in a traditional Japanese style. Wandering around, you might also spot interesting details that reveal the tasteful eye of the house owners, such as a cute Tanuki sculpture or artwork made of recycling cans.


また、直島では、アーティストらが島に点在する古い空き家をアート作品に変えるプロジェクトも見られます。数多くの便利なバス停の一つで下車すると、改装された古民家には徒歩で簡単にアクセスできます。なお、ほとんどの家屋では、作品を保護する目的で写真撮影が禁じられています。地元のボランティアによると、家プロジェクトで公開された作品はすべて永久保存されるとのことです。直島の住宅の大半は木造で、家々が隣接して並んでいます。窓や戸はどれも通常より小さく、都会から訪れる者に一種独特の印象を与えます。家屋そのものも比較的小さいものです。人家の周囲の庭や植物は、伝統的な様式で美しくきちんと手入れされています。この辺りを歩き回ると、狸の彫刻や空き缶を再利用したアート作品などの細部に、各家の持ち主の趣味の良さを垣間見られるかもしれません。

Besides all the interesting museums, the island itself also has a certain charm that it offers. The wooden walls and rusty metal factories add a natural texture to the island, giving it a sense of mysterious beauty that can only come with old age. Walking around, you’ll spot even more artwork, such as interesting silhouettes of people made with lines of wool, which are attached to walls throughout the area. They’re often quietly hidden away behind corners, waiting to surprise you when you turn around. It almost felt like these whimsical artworks were playing hide-and-seek with the tourists.


これら興味深い美術館の他にも、直島には当地ならではの魅力があふれています。木の壁や錆びた金属工場が、時を経たものだけが持つ神秘の美を醸し出し、この島の自然な質感を漂わせるのです。散策を続けると、この地域のあちこちの壁に、毛糸の線で人の形に描かれ、貼り付けられたアート作品なども見られます。これらの作品は、密かに角の向こう側に隠れているものが多いため、ふと振り返ると驚かされます。まるで、気まぐれなアート作品が観光客とかくれんぼをしているかのようです。

Not far from Miyanoura Port lies the famous polka-dot pumpkin by Yayoi Kusama. It sits quietly by the sea and the water’s blue hues seemed to make the pumpkin’s yellow brighter than ever. Yayoi Kusama’s merchandise can be purchased at the Benesse House Museum, which also showcases other very interesting artworks. From there, you can head to a café located on the mountaintop to relax with a nice cup of coffee. It is the perfect place to bask in the sunlight, while embracing the gentle wind coming in from the beach. The tranquil vibes of the island, the cutting-edge architecture of the art museums, and the traditional Japanese houses all co-exist harmoniously, perfectly demonstrating the unique nature of Naoshima.


宮之浦港から程近い場所に、草間彌生氏の有名な水玉模様のかぼちゃがあります。海辺に静かに佇み、海の青い色調がかぼちゃの黄色をさらに色鮮やかに演出するかのように見えます。草間彌生グッズを販売するベネッセハウスミュージアムでは、他にも注目に値する作品の数々が展示されています。そこから山頂にあるカフェに向かい、のんびりコーヒーを楽しむこともできます。浜辺から吹くそよ風を受けながら日光浴するには最適な場所です。この島の穏やかな空気感、斬新な美術館建築、伝統の日本家屋、それらすべてが絶妙な調和で共存し、直島独特の自然を見事に示しているのです。

Websites:
setouchi-artfest.jp
benesse-artsite.jp

 

Contributor & Photographer: George Liu Zhen
Additional Image Courtesy of Chi Chu Art Museum


ウェブサイト:
setouchi-artfest.jp
benesse-artsite.jp

 

寄稿者&カメラマン: George Liu Zhen
Additional Image Courtesy of 地中美術館

Fluorescent Tranquility

Having grown up in the northern Japanese city of Hokkaido, where it’s covered by snow for half of the year, artist Yukako Shibata’s inspiration is deeply rooted in her childhood memories of the snow-covered landscape. This influence can be seen in her work, in which she creates sculptures with organic shapes that are juxtaposed against white backgrounds.


一年の半分が雪に覆われる北海道で育ったアーティスト柴田祐加子のインスピレーションは、幼少時代に見た雪景色の記憶に深く根付いています。この影響が、白い背景を背に並んだ有機的な形を生み出す彼女の彫刻作品に見られます。

“Snow definitely gave me lots of inspiration to make my sculptures, and I feel like there’s a sense of harmony when white covers everything,” she says. Influenced by her nostalgic memories of snow, Shibata often uses the white walls and other part of the exhibition space as her canvas.


「確かに、雪は私の彫刻制作に大きなインスピレーションを与えてくれたもので、白がすべてを覆う時、そこには調和という感覚が生まれる気がします。」と柴田さんは語ります。懐かしい雪の思い出に影響された彼女は、白い壁やその他の展示スペースをキャンバスに見立てて使うことが多いものです。

Shibata is more intrigued by shadows, reflections, colours, and the negative space of the surrounding environment as opposed to the actual object itself. She’s also fascinated by small, seemingly trivial things. Shibata’s sensitivity to the mundane is evident in Breeze, where she used eight pieces of plaster, similar to wrinkled paper or plastic bags, and painted them white before placing them onto an all-white wall. Colors painted on the back of the plaster are reflected onto the all-white wall by natural light, adding a magical, ethereal quality to the creation.


柴田さんは、実際のオブジェそのものに対立するものとして、周辺環境の影、反射、色彩、余白により興味をそそられます。彼女はさらに、小さく一見些細なものにも惹かれます。日常的なものへの柴田さんの感受性は、くしゃくしゃの紙切れかビニール袋に似た8個の石膏のかけらが白く塗られて真っ白な壁に配置された作品Breezeを見れば明らかです。石膏の裏側に施された色彩は、自然光によって真っ白な壁に反射し、この世のものとは思えない不思議な質感を醸し出しています。

Colour is an important subject in Shibata’s art. “My colours tend to be understated in terms of its hue and vibrancy. Having said that, I actually use the strongest possible colours, such as fluorescent ones, but I hide them by turning the colourful side to face the wall, so that all you see is the reflection of the colour,” Shibata explained. “When it comes to my painted surfaces, no matter how subtle and pale the colours may be, there is a long process of layering and glazing the different colours over time to achieve the soft shimmering effect. My colour is slow in revealing itself and requires a bit of time to tune into. At first glance, you may see not very much, and as you observe longer you will gradually begin to notice more and more details.”


色彩は柴田さんの作品の主役となるものです。「私の色彩は、色調や鮮やかさに関しては地味なものです。とは言え、実際には蛍光色など可能な限り強い色を使うのですが、そういった色鮮やかな面を壁に向けて隠し、その色の反射だけが見えるようにしています。」と、柴田さんは解説します。「色が塗られた表面については、どんなに微妙で淡い色であっても、優しく光る効果が現れるまで、時間をかけて何層にも様々な色を塗り重ねてゆく長いプロセスがあります。私の色彩は、すぐに目を引くものでなく、それと認識するには少し時間がかかるものです。一見したところほとんど何も見えないものの、長く眺めるうちに、次第に細部が見えてくるのです。」

Shibata’s work also often revisits similar forms and shapes, commonly working with circles, spherical, round, or egg-like forms. She explains that this personal preference is beyond intellectual understanding and she’s simply led by her instincts. “A circle is the most complete and self-containing abstract form that symbolizes the beginning of everything. It symbolizes life, our world, and even eternity in different cultures, hence I feel like it suggests something greater,” Shibata explains. “Modeling or carving round forms is satisfying and feels really natural to me. It’s pleasing to my eyes, and the process also feels quite nurturing for the soul.”


柴田さんの作品は、一般に円形、球体、輪、卵型といった形を用いることが多く、類似する形を再考するものでもあります。自身のこういった優先傾向は頭で理解できることではなく、ひたすら本能的なものであると彼女は説明します。「円形は、すべての始まりを象徴する最も完全な自蔵の抽象形です。生命や我々の世界、さらには様々な文化における永遠をも象徴するものであることから、円形が何か偉大なものを暗示する気がするのです。」と解説します。「円形を形作ったり彫ったりすることはやりがいのある作業で、自分にとってごく自然なことなのです。目に心地よく、そのプロセスにも精神が養われる気がします。」

Shibata says that White Circle is one of her most understated works, which she describes as an experimental and conceptual idea. Minimalistic and colorless, the shadow is the dominant aspect of this creation. During exhibitions, it’s also purposefully placed in a slightly higher position in the gallery.


柴田さんは、自ら実験的かつ概念的アイデアと表現するWhite Circleが自身の作品のうちで最も地味な作品の一つであると言います。ミニマルで無色のこの作品を支配するものは影です。展覧会開催中、この作品は意図的にギャラリー内の若干高い位置に展示されます。

In Circles & Gold Frame, Shibata used egg-shaped objects and took a more formal approach. She placed several colourful round objects in a traditional gold picture frame, which questions the notion and tradition of painting and frames. She said, “I wondered what if I give a frame to my sculptures that obviously doesnʼt require one. My sculptures are bigger and can’t be contained by the frame. They aren’t being protected. Would it change anything?”


Circles & Gold Frameで、柴田さんは卵型のオブジェを使い、より形式的なアプローチを採用しました。絵画と額の概念と伝統に異議を唱えるように、色鮮やかな複数の丸いオブジェを古風な金色の額の中に配置したものです。彼女は、「額など当然必要ない自分の彫刻に額を付けたらどうだろうと考えたんです。額より大きな私の彫刻は額に入りません。彫刻は額に保護されていないわけです。それで何かが変わるでしょうか?」

Website: yukakoshibata.com

 

Contributor: Shanshan Chen
Images Courtesy of Yukako Shibata


ウェブサイト: yukakoshibata.com

 

寄稿者: Shanshan Chen
Images Courtesy of Yukako Shibata

Manhole Covers in Japan

In the mid-1900s, Tokyo and other major Japanese cities started implementing new manhole covers. Using textured surfaces to increase traction for passing traffic on rainy days, the new designs were created with both safety and functionality in mind. Not long after the implementation of these new manhole lids, Yasutake Kameda, an official from the Ministry of Construction, was tasked with convincing other Japanese provinces to connect to the main sewage system, which was a costly operation. In order to win over the public, he had a brilliant plan. Yasutake approached all the various municipalities with a proposition that allowed them to design their own manhole covers. His success is evident; throughout the country, turning manhole covers into beautiful pieces of art has become a tradition that’s still alive and well today.


1900年代半ば、東京や日本の主要都市では新しいマンホールの蓋の実装が始まりました。雨の日の交通用に静止摩擦を高める質感で、安全性と機能性を考慮した新たなデザインが生まれたのです。その直後に建設省の職員・亀田泰武氏は、コストの高い主要下水道の連結事業において、多くの地方自治体を説得する任務を任されました。亀田氏には、大衆を説得させるための見事な戦略がありました。マンホールの蓋に独自のデザインを施すという提案を元に、様々な市町村と交渉を始めたのです。その成果は見事に現れ、マンホールの蓋を装飾的な芸術作品に変えたこの時の慣習が、今も日本全国で受け継がれています。

The entire country of Japan now boasts over 6,000 of these custom manhole lid designs. They can be spotted in large metropolises as well as various rural areas. On top of that, there are even multiple museums throughout the country dedicated to manhole covers; some companies have even organized specialized committees that researches and preserves these lids. This cultural phenomena has attracted a devout following, including S. Morita, a photographer who has become well known for finding and documenting these works of art.


日本の大都市だけでなく数々の農村地域には、現在6千個以上の特注マンホールデザインが見られます。さらに国内では、マンホールの蓋のみを集めた専門博物館が多数あるだけでなく、蓋を調査して保管する専門委員会を組織化した企業さえ存在します。この文化的現象は、このような芸術作品の発掘とドキュメント化で著名な写真家、S. Morita氏のような熱心な愛好家を魅了してきました。

In Morita’s photos, the multicolored manhole lids can be seen exploring a wide spectrum of subjects, with animal and plant life, cultural customs, and history being the most common themes. At times, the manhole covers are designed to commemorate certain events or dates. There are even manholes that feature characters from the famous Japanese anime Detective Conan. The designs on certain manhole covers also serve as identifiers for the jurisdiction responsible for maintenance. Others might place more emphasis on functionality and practicality, some feature directions, others might cover up subterranean fire hydrants, and some lids in residential areas even offer directions to nearby emergency shelters by using different colored arrows to indicate how far the shelter is. There are also taboos when it comes to manhole cover art, with an unspoken rule being to not feature portraits of people. Besides portraits, it’s also uncommon to see national shrines and temples on these lids.


Morita氏の写真には、最も一般的なテーマの動植物、文化的慣習、歴史など、幅広いテーマを読み取れる色彩豊かなマンホールの蓋が見られます。マンホールの蓋は、特定の行事や日付を記念してデザインされることがあります。さらには、人気アニメ『名探偵コナン』のキャラクターが登場するマンホールもあります。一部の蓋では、当該地域のメンテナンス用の目印とされるデザインもあります。他にも機能性や実用性に重点を置いたもの、方向を示すもの、地下消火栓を覆うもの、また、住宅街では近隣の緊急避難所への道順が描かれ、色違いの矢印で避難所までの距離を示すものもあります。マンホールの蓋のデザインに関しては禁止事項もあり、人物の肖像を使用してはならないという暗黙のルールがあります。肖像の他に、神社仏閣が描かれた蓋はほとんど見かけられません。

The next time you’re in Japan, take notice of the ground when you’re walking about. You just might find yourself standing on a piece of art!


日本に訪問の際、街を歩く時にはぜひ地面に目を向けてみてください。気が付いたら芸術作品の上に立っているかもしれません!

Website462photoblog.net
Flickr
: ~/mrsy

 

Contributor: Banny Wang
Images Courtesy of S. Morita


ウェブサイト462photoblog.net
Flickr
: ~/mrsy

 

寄稿者: Banny Wang
Images Courtesy of S. Morita

Kristen Liu’s Art

Born and raised in San Francisco by her grandmother and art teacher mother, Kristen Liu-Wong spent her childhood inside museums or at school with her mum who was finishing a degree in textiles. She looked up to artists in high school who had either begun as illustrators or street artists, influencing her choice to study illustration at Pratt Institute, New York. “It seemed to be a little fresher than the fine art world of Chelsea which is why I didn’t go into painting,” she says.


土生土长于美国洛杉矶,由祖母和身为艺术老师的妈妈一手带大,Kristen Liu-Wong的童年不是就浸润在博物馆里,就是跟着当时进行面料设计深造的妈妈待在学校里。她高中的启蒙艺术偶像不是插画家就是街头艺术家,所以在纽约普拉特学院她选择了插画作为专业。“那似乎比切尔西式的纯美术更有意思一点,所以我也没有学油画。”

Now based in L.A., her bold artwork explores themes of sexuality, power and violence through her personal portrayal of Japanese folk art. In an attempt to reveal all aspects of human nature she paints bright, bizarre narratives – their playful neon colors making a mockery of the darker, grotesque subject matter.


目前居住在洛杉矶,她的艺术作品通过极具个人风格的日式民间绘画方式,大胆探索性、权利、暴力等主题。为了揭示人性的每个层面,她用色明亮,但同时画风怪诞,带着童趣的亮色形成一种黑色幽默,更加凸显一种荒诞不羁的主题。

Her unique, surrealist style combines cartoon-inspired science fiction with the eroticism of Japanese shunga prints. Although she is Chinese, “the graphic nature of Japanese shunga is just so appealing that I especially draw upon that influence”. The environments she creates are of an exaggerated aesthetic, but she feels like the actions, circumstances and characters all speak to her personal reality. The scenes are unrealistic yet focus on relatable, everyday themes such as sexuality and vulnerability. This is reminiscent of Japanese shunga, which traditionally portrays the aesthetics of everyday life despite its overzealous eroticism.


卡通式的科幻风和日本春宫图的情色暧昧相结合,形成了她独特的超现实风格。虽然身为中国人,但“日本春宫图的绘图方式却相当吸引我,对我绘画影响尤其深刻。”她的画作中呈现一种极度夸张的美学氛围,但她认为里面的行为、场景和人物都在与她的个人生活相对应。那些场景尽管显得不真切,却又是建立在日常生活中的基础上,比如性、地位和弱点。这让人不由地想起日本春宫图,其中同样地以夸张的情色成分描绘日常生活的美学。

Unlike her relatively mild-mannered self, Kristen’s fantastical, fictional space-witches embody sex as well as violence. “I was tired of seeing women portrayed as flat, weak characters with nothing to offer. Women are often portrayed sexually but by men for men – I wanted to show a woman’s perspective of our sexuality”. Their often threatening manner, blemished skin and black eyes offer something visually upsetting to offset their sexuality.


Kristen的作品以梦幻、虚构以及女巫式的魔幻构建出性与暴力的主题,与她相对温和低调的性格成鲜明反差。“我看够了女性被塑造成那种平面、弱势且毫无建树的角色。在男性的笔下,女性通常以附属于他们的产品形象出现。我想站在女性的角度,传递我们的性观念。”她们常被设定为带着攻击性的行为,拥有不洁的皮肤以及发黑的双眼。这些特征可以制造出视觉上的不安定,以对人物的性征做出补偿。

She knows pretty early on in the creative process how each piece will look by quickly sketching a thumbnail of the main figures and general composition. This then translates into a final drawing, which is transferred onto a panel for the painting; the specific colors and patterns are chosen as she goes along. “The artist Jan Yager once said something that really resounded with me: ‘I decided I had to do work that was authentic – of its place and of its time’, so I always try to approach my work with full commitment to try my best and not cut corners.”


她在创作每一幅作品的早期已有整体布局,知道如何通过快速勾勒出主要人物的缩略图进行主题呈现。随后,她将最后的画面放到木板上进行细化上色,具体的色彩和线条在这个实现的过程中诞生。“艺术家Jan Yager曾说过一句深得我心的话: ‘我决心创作真实的作品,无论是在空间还是在时间维度上。所以我总是全力以赴地投入我的工作,不走任何捷径。’”

She says, “I always have a new favorite piece because I believe that you’re only as good as your latest piece. I try to make each painting my new best.” An important mantra to keep motivated, she’s currently involved in a variety of exciting projects including a mural for Nous Tous gallery in Chinatown, L.A. before their opening of Everything You Own is Mine on August 6th. Her biggest upcoming show will be a two-person show in November at Ruckus Gallery Philadelphia – “that is the one that’s really going to be fun, but will also kick my ass.”


她说:“我最爱的作品总是我最新的作品,因为我相信只有最新的作品才能代表自己当下的水平。每一次的创作我都努力做到最好。”为了鞭策自己不断进步,她目前参与的项目内容涉猎广泛,有8月6号在洛杉矶中国城Nous Tous画廊的《Everything You Own is Mine》一展开幕做壁画;而11月的费城Ruckus画廊,将引来她的双人大展,“那真的很有意思,同时也绝对是自我挑战与突破呀。”

Websitekristenliuart.com 
Instagram: @kliuwong
Tumblrkliuwong.tumblr.com

 

Contributor: Ruby Weatherall


网站kristenliuart.com
Instagram@kliuwong
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供稿人: Ruby Weatherall

ONEQ’s Evocative Illustrations

ONEQ is a Japanese illustrator who’s most well known for her illustrations of vintage pin-up girls. Her drawings seamlessly blend Western and Eastern styles – think 1900s American poster art, with the curvy sexualized female form, mixed together with the flawless skin and delicate features of the females portrayed in Japanese mangas. ONEQ says she’s endlessly fascinated with women and the female body. This fascination is mirrored in all of her work, where she draws captivating images of voluptuous hourglass-shaped women, powerful and seductive. Her illustrations are proud celebrations of femininity and sexuality.


ONEQは、ヴィンテージピンナップガールのイラストで特に知られる日本在住のイラストレーターです。彼女の絵は西洋と東洋の美人画のスタイルを見事にブレンドしたものです。曲線美が強調された女性の肉体にあふれた1900年代のアメリカのポスターアートが、日本の漫画の様式で描かれる女性の完璧で繊細な容貌の融合点を想像してみてください。ONEQは、女性とその肉体が持つ不思議な曲線美に魅せられていると語ります。そんな魅惑の影響が、妖艶にウエストがくびれ、たくましいほど極度に誘惑的な女性のイメージをとらえた彼女の作品すべてに反映されています。これらの作品は、女性らしさとセクシュアリティを高らかに称賛しているように見えます。

ONEQ was born, raised, and is currently based in Kumamoto, the capital of Kyushu island. As a completely self-taught artist, ONEQ’s love affair with illustration, like most illustrators, can be traced back to her childhood. Mangas were a big part of that childhood. Generally, Japanese manga is separated into different categories, some cater to a female audience and others cater to a male audience. Having an older brother allowed her the opportunity to be exposed to both worlds.


ONEQは、九州の熊本で生まれ育ちました。完全に独学のアーティストであるONEQと絵との親密な関係は、多くのイラストレーター同様、彼女自身の幼少期に遡ります。日本人である彼女にとって漫画文化は子供時代の大きな割合を占めるものでした。日本の漫画は、女性向けと男性向けという2種類に大きく分類する事ができるでしょう。年の近い兄がいる彼女は、その両方の持つ世界感に浸るチャンスに恵まれたわけです。

She cites three major influences that pushed her along the path to becoming an illustrator. The first is the famous manga artist Rumiko Takahashi, the illustrator behind Ranma 1/2 and InuYasha, who she says is her biggest influence. The second is Rockin’ Jelly Bean, a famous Japanese pop artist, whose use of colors captivated her and changed the way she looked at how colors could be used. The third is Simon Bisley, a British comic artist that portrays women in equal parts femininity and equal parts strength. All of these influences came together and evolved her artwork into what it is today.


彼女は、自身を振り返りイラストレーターの道へと歩ませた影響力の高い3人の作家を過去に挙げています。1人目は、『らんま1/2』や『うる星やつら』の作者として著名な日本の漫画家、高橋留美子で、ONEQにとって子供時代に強力な影響を初めに受けたとのこと。2人目は、鮮やかな色使いや完成度の高さが彼女を魅了し、色彩への見方を変えるきっかけとなった有名なポップアーティスト、ロッキン・ジェリー・ビーン。そして3人目は、女性の女らしさと力強さを濃厚に描きあげるイギリスのコミックアーティスト、サイモン・ビズリー。これらの素晴らしい影響力すべてが一体となり、今日見られる彼女の作品に昇華したわけです。

Having just turned thirty-four earlier this year, ONEQ is working full time as a freelance artist, but just recently reallocated one day out of every week to work at her friend’s bar. Her motivations behind this aren’t financial. The bar is stimulating and the atmosphere inspires her art, she says. “Many unique and powerful ladies go there on weekends. Their energy is captivating.” Not a stranger to this lifestyle, she recalls being mixed up in Japan’s night life scene as a teenager. Often missing school, ONEQ would find herself spending time in the more dubious parts of town. Even though she prefers the slow-paced and quiet life in Kumamoto, she considers Japan’s night life to be another aspect of Japanese culture that has influenced her artwork and style. She says, “In that regard, I consider my past to be both good and bad.”


ここ最近の彼女は、フリーランスアーティストとして制作に専念するかたわら、週に一度だけ友人のとあるバーへ手伝いに出かけるそうです。この不思議なライフスタイルのきっかけとなったのは経済的なものからではなく、その空間には彼女の制作を刺激し手助けする雰囲気やパワーがあるのだと言います。「週末になると、ユニークでミステリアスな女性が多く遊びに来ます。そのエネルギーや感触が制作の刺激になっている。」と彼女は語ります。そんなライフスタイルに無縁ではない彼女は、夜の繁華街で遊んでいたティーンエイジャーの頃を回想します。彼女はたびたび学校を休み、夜の妖しい繁華街で友人達と日常を過ごしたものです。熊本の静かでのんびりとした生活を好むとはいえ、夜の怪しげなネオン達が自身の作品にも少なからず影響を与える日本文化の側面でもあると考えています。「自分の過去は良い面と悪い面、両方の要素で成り立っていると思っています。」と述べています。

ONEQ’s creation process is a mix of both traditional and modern techniques. She first begins with rough sketches to flesh out the initial concept. Once the idea has been clearly thought out, she will then draw a refined version in monochrome by using mechanical pencils. If the image is intended to be a colored piece of work, it gets scanned and digitally colored in Photoshop. Her pieces that involve color could take upwards of two weeks to fully complete.


彼女の制作プロセスは、伝統と現代の技術をカジュアルに組み合わせたものです。まずラフスケッチから始め、最初のコンセプトを肉付けしていきます。アイデアやイメージが明確に浮かんだ段階で、今度はシャープペンシルを使ってモノクロで精密な線画を描いていきます。作品が彩色画となる場合は、Photoshopでデジタルに彩色を施します。色彩を用いた場合の彼女の作品は、最終的に完成までに2週間を超えることもあります。

Besides only working on paper and computer screens, she has also completed numerous murals and is keen on creating even more in the near future. She says, “I want to create more murals. It would be great if I could create murals in different places all over the world. Shanghai is definitely on my list.” ONEQ elaborates by saying that she doesn’t approach her art with any intentions of being famous; her sense of artistic accomplishment comes from creating artwork that she personally finds meaningful. This sincerity that she approaches all her illustrations with is undoubtedly another aspect of what makes her artwork so alluring.


スケッチブックやデジタルで描く作品のみならず、多数の壁画も手がける彼女は、近い将来さらなる壁画制作に意欲を見せています。彼女は、「もっと多くの壁画を制作したいと思っています。世界中のいろんな場所で壁画を制作しながら旅ができたら素晴らしく楽しいでしょうね。上海にもいつかぜひ描いてみたい」と言います。ONEQは、有名になりたいという欲求のみで作品に取り組むわけではなく、彼女自身の芸術的達成感が作品制作自体から同時に湧いてくるものであり、それが最も彼女にとって有意義だと感じる瞬間だと語ります。彼女の制作プロセスにおける誠意が、紛れもなくその作品の魅力を引き出す要素なのです。

Website: kotemufu.exblog.jp
Behance: ~/oneq-japan
Facebook: ~/oneq.pinup
Instagram: @negiyakisoba

 

Contributor: David Yen


ウェブサイト: kotemufu.exblog.jp
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寄稿者: David Yen

Yoshito Hasaka’s Vision of Tokyo

Tokyo is often associated with the word “dense”, which isn’t surprising considering its status as one of the most populated metropolises in the world; the Japanese capital is a massive melting pot of subcultures and a place where one can find all the latest and hottest trends of Asia. Yoshito Hasaka is one of the millions living in the bustling city. Working as a full-time designer and iOS engineer, his free time is often spent exploring the nooks and crannies of this city with his camera. His Instagram account @_F7, where he presents a unique vision of the city through his signature wintry tones, is considered by many as one of the must-follow accounts in Tokyo.


東京について高密度という言葉がよく引き合いに出されるのは、世界で最も人口の多い大都市の一つという立場上当然のことであろう。この日本の首都は、サブカルチャーの巨大なるつぼであり、アジアで最も話題の最新流行を発見できる場所である。羽坂譲人氏は、この活気あふれる都市の多数の住人の一人である。グラフィックデザイナー兼iOSエンジニアを本業としながら、彼は余暇にカメラを携えて街の隅々を探索することが多い。独自の荒涼とした色調を通してこの街のユニークなビジョンを展開する彼のInstagramアカウント@_F7は、東京で最もフォローすべきアカウントの一つとして広く認識されている。

Yoshito’s passion for photography began simply as a way for him to document his travels. But as a graphic designer, his attentiveness to aesthetics naturally made its way into his photography. Yoshito says he’s also fascinated with the ways that people interact with objects; he’s intrigued by the kinds of reactions or feelings a person might have towards something. This is why he wants to create images that will resonate with viewers. So from taking the actual picture to post-processing, Yoshito works meticulously to craft the perfect image. Recently, Neocha had a chance to speak to him about photography and his vision of Tokyo.

 


羽坂氏の写真への情熱は、単に旅行の記録方法として始まった。しかし、グラフィックデザイナーである彼の美意識に対する記銘力が、自らを自然に写真へと導いたのである。羽坂氏は、人々が物と相互作用する方法にも感化されると語っている。人が何かに対して抱く反応や感情の様々な形に興味を引かれるのである。そのため、彼は見る者の心に響く画像を作ろうと努めている。そうして、実際の撮影から後処理まで、羽坂氏は完璧な画像制作のため慎重に作業する。Neochaはこのほど、そんな羽坂氏に写真と東京に対する彼のビジョンについてインタビューする機会を得た。

Neocha: What do you like to shoot the most in Tokyo?

Yoshito: I like things that were made by hand. I like seeing why they were made. I’m also a creator, so I feel that there’s always an intention and a meaning behind everything I create. I noticed this recently, but the things I’ve been trying to capture formed a kind of verification process for myself as a designer. There’s no way I can know if it’s correct or not, but when I organize things into a photograph, I’ll look at whatever is in front of my viewfinder and wonder why it was made this way. How did the person who made it want it to be? That’s my main theme, so that’s why a lot of the photos are taken from the front. Sometimes this means looking at the shape of a single building, and sometimes it might mean superimposing several elements, such as the way in which a crowd is walking through a street, the way in which the sun sets on the horizon, etc. I always try to give my own interpretation. It’s interesting for me, if I manage to capture the intentions of the creator with my camera, and if I can go beyond that, then I feel like the work really becomes my own. In Tokyo, there are a lot of different things that attract my interest. The city’s constantly being scrapped and rebuilt. So rather than having to go look for interesting things, interesting things have a tendency to appear in front of me.


Neocha: 東京で撮影する被写体で最も好きなものとは何でしょう?

Yoshito: 人の手によって作られたものが好きなんです。それがなぜそのように作られているのか。自分も作り手ですし、ものを創るひとつひとつのことには、必ず意図と理由があると思っています。最近気づいたのですが、ぼくがキャプチャーしているモノ・コトは、デザイナーとしてのその確認作業だったのです。正しいかどうかは知るべくもないわけですが、イメージとして収めるときに、自分のファインダーの前にあるものはなぜそう作られているのか。作った人はどう作りたかったのか。といったことが最初のテーマです(そのため、正面から撮ることが多いのです)。それはひとつの建物そのものの形であるときもあれば、多くの人がその道を歩く様子や、太陽が沈んでいく様など、複数の事象が重なって見える景色であったりします。そういう自分なりの解釈を常にするようにしていて、それが作った人が作る前に描いていたイメージを当てることができていたらとても面白いですし、さらにそれを超えることができたなら本当の意味で私のオリジナルになると思っています。東京にはそういう興味をひくものが本当にたくさんあります。どんどんスクラップ&ビルドされていますし、撮りに行くよりも出現する数の方が多いのではないでしょうか。

Neocha: What are some of your favorite spots in the city?

Yoshito: I like areas or events where lots of people gather. I like to think about why they gather there. I’m attracted by both indoor and outdoor locations; I want to see what it is about them that draws people there. I like capturing these places in a photograph and interpret it through my own means, and attempt to synchronize my thoughts with the person who created the place. Inevitably, I end up shooting at a lot of famous places. In Tokyo, I like any kind of tourist area, as well as busy areas where many people gather or go to work.


Neocha: 東京で最もお気に入りのスポットをいくつか教えていただけますか?

Yoshito人がたくさん集まるところや事象が好きなのです。そこになぜ人が集まるのか。建物が外も中も含めてが魅力的だからなのか、そこに人を引き寄せる何かがあるのか。それを自分なりに解釈して絵に収めることができ、それがその場所を作った人の意思とシンクロできるような場所が好きです。必然的に有名な場所が多くなります。東京であれば、観光スポットは何でも好きですし、多くの人が集まって働くような場所も好きですね。

Neocha: How often do you shoot nowadays?

Yoshito: Whenever I’m out and about in Tokyo, I’ll have my camera. I’ve been on Instagram for five years now though, so it’s harder to find new things to shoot in this city. I’ll post images taken at different famous locations, but I’ll also see other people shoot and post the same vantage. But I feel like it’s different every time I’m out. The weather, lighting, and people are never the same – other unforeseen factors might also affect how the image turns out. I don’t go out every day and night anymore, but it’s always fun to look for fresh angles and think about how to best frame the shot.


Neocha: 最近はどのくらいの頻度で撮影していますか?

Yoshito旅行に行きたいなと思った時に旅行ができる、東京は、そういう街だと思っています。5年以上Instagramで遊んでいて、東京という街そのものはたくさん露出し消費されてもう新しくはありません。いくつもの有名な場所のスナップ写真をポストしますが、同じように撮られた写真も多く見かけます。でもひとたびカメラを持って外に出たら、時間、天気、光の感じ、人の混み具合、そしてアクシデントといった環境要因でフレッシュに感じることができます。今となっては毎日毎晩撮りにでかけるわけではありませんが、新しいアングルや構図を探すことはいつだってとても楽しいです。

Neocha: How did you develop your personal style?

Yoshito: I get many comments from people like: “your photos are really Tron-ish,” or like “So Blade Runner!” Many people also tell me the colors in my photos are unique. I actually like Hollywood movies a lot, but they don’t influence me too much. From the point of view of a graphic designer, I like to envision my photos in the same way as a black-and-white photograph. I see them as “just a blue photo”, or “just a green and orange picture”, and so on. I would like the viewer to see it this way too. I reduce the color saturation on my photos for a reason. It’s part of the content – a way to focus on the story. To me, using different colors is like speaking with many unique voices, and I’m very happy with this approach.


Neocha: 独自のスタイルをどのように発展させたのでしょう?

Yoshitoよく、「Tronっぽい」とか「Blade Runnerだ」とか言われます。そして、画像の色使いがユニークだと言ってくれる方がいます。もちろん ハリウッド映画は好きですが、そこにどっぷり浸かろうと思っているわけではありません。グラフィックデザイナーとして、モノクロ写真と同じように、ただ「この青の写真」とか、「このグリーンとオレンジのイメージ」とシンプルに認識したいし、見る人にもそう認識していただきたいのです。写真の彩度を下げていくことが多いですが、私の場合はそれは伝えたい内容であったり、ストーリーにより焦点を当てるための手法なのです。ユニークと捉えられている声が多いことは、とてもうれしく思います。

Neocha: What new subject matters or locations do you have plans of shooting in the future?

Yoshito: This year alone, I’ve seen many crazy photos taken of the famous Shibuya street crossing in Shinjuku. Many of the shots had angles I’d never seen before. I was really interested in shooting the crossing in a fresh way, but I never ended up with anything I liked. Experimenting with new things is always interesting and I hope to experiment more and more. Besides that, I’d also want to go to more new places. I’ve seen a few new locations on the internet and on social media that I’d like to visit. These places range from abandoned factories to architecture with impressive facades. It doesn’t matter to me if the location is more traditional or more futuristic. Sometimes when I come across a really great location online, it makes me want to get up and go shoot right away.


Neocha: 今後撮影を予定している新たな素材や場所とは何でしょうか?

Yoshito: 今年、今まで見たことのないアングルで渋谷や新宿の有名なストリートを撮影した、とても多くのすごい写真を見ました。普段自分が撮ってる場所を全くちがうアングルから捉えた写真を目の当たりにして、どうやって撮っているんだろうと興味を覚えましたが、まだそれを自分の手で撮影するには至っていません。非常に新鮮な表現手法で、トライしたいと思っています。そして、少し足を伸ばせばまだたくさんの行ったことがないスポットがあることを、インターネットやメディアを、インスタグラムを通して見ますし、そこへはカメラを持って行ってみたいと思っています。工場地帯もそうですし、クラシックなもの・未来的なものどちらもあるのですが、とても印象的な顔を持った建築物などです。

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Contributor: Banny Wang


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寄稿者: Banny Wang

Spatial Bodies

 

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The city of Osaka, Japan is the backdrop for filmmaker AUJIK’s latest reality-bending video. In the short four-minute video, created with drone footage and 3D renderings, many of the buildings Japan’s second largest city have morphed into monstrous megastructures. Even stranger, these high rises, skyscrapers, and iconic landmarks, like the iconic Tsūtenkaku tower, appear to be moving about, defying the laws of physics. As these structures morph and oscillate throughout the video, the ordinarily mundane cityscape of Osaka turns into a writhing forest of concrete-fleshed organisms. Beneath the bending and twisting architectural impossibilities, the inhabitants of Osaka seem to be carrying on with their lives and unaffected by these anomalies, driving through the streets like any other day.


日本の大阪の街が、映像制作会社AUJIKの現実を歪めた最新動画の背景だ。この4分の短編動画は、ドローンの映像と3Dレンダリングで製作し、日本で2番目に大きな都市にある多くの建物が、怪物のような巨大建造物に変形している。実に不気味に、これらの高層建築物、高層ビル、大阪の象徴通天閣のような目印となる建物が、物理法則を無視して動き回っているようだ。この動画の間、これらの構造物の変形と揺れによって、普通の大阪の街の日常風景が、コンクリートの肉体を持った生物がのたうち回る森になっている。構造上不可能な曲げと歪みの下で、大阪の住人は騒々しく生活を送り、この異常な空間に影響を受けることなく、何事もない日のように街中で車を運転している。

AUJIK cites many influences that inspired him to create this video: from the famous Gunkan building in Tokyo to the Sony PlayStation 2 game Katamari Damacy. But his biggest influence for this video would appear to be Metabolism architecture, the Japanese architectural movement that combines concepts about architectural design with concepts about biological growth.


AUJIKは、有名な東京のGunkanビルからプレイステーション2のゲーム塊魂まで、この動画を制作するきっかけとなった多くの影響について述べている。しかし、彼のこの動画に最も大きな影響を与えたのは、メタボリズム建築かもしれない。それは建築設計の概念と生物の成長の概念を結びつけた日本の建築運動である。

Like previous projects, AUJIK worked closely with a musician to create a fitting score for this new video. In the past, he’s collaborated with a range of talented musicians, from Scottish music producers to American black metal bands. For Spatial Bodies, he worked with Japanese electronic music producer Daisuke Tanabe, who created an eerily calm soundtrack that guides viewers through a contorting cityscape.


これまでのプロジェクトのように、AUJIKはミュージシャンと緊密に作業を行い、この新しい動画に合った音楽を作った。過去には、スイスの音楽プロデューサーからアメリカのブラック・メタルバンドまで、幅広い優秀なミュージシャンとコラボしている。Spatial Bodiesのために、日本のエレクトロニックミュージックプロデューサーDaisuke Tanabeと仕事を行った。彼が作曲した不気味な程静かなサウンドトラックは、歪んだ都市の景観の中で見る人を案内している。

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Website: aujik.com
Vimeo: ~/qnqaujik
Facebook: ~/qnqaujik

 

Contributor: David Yen
Images & Video Courtesy of AUJIK


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